PASIONES Y OTROS DESMANES

El balneario de Battle Creek

2011-10-25T19:28:00.002+01:00

El balneario de Battle Creek (Alan Parker, 1994)

Alan Parker tiene el dudoso honor de ser uno de los directores mejor considerados que ha desarrollado una carrera más irregular.

Producto probablemente de razones alimenticias, su trayectoria mezcla joyitas como The Commitments con productos menores y hasta con una adaptación de un musical de Broadway a mayor gloria de Madonna.

Entre esos productos menores se encuentra este The road to Wellville, comedia fallida que rodó a mediados de los noventa y que, sin embargo, consigue retenerse en el imaginario del que la ve con ciertas simpatías.

Puede que sea por el mismo planteamiento del film, el hacer reír gracias a los excesos cometidos en aras de la salubridad, puede que porque le de a Hopkins el papel de llevar al absurdo sus excesos interpretativos, puede que por Matthew Broderick, que siempre nos cayó bien.

Lo cierto es que esta cinta, del todo irregular pero conseguida, mezcla gags espléndidos con chistes burdos con una poca vergüenza sanísima, lo que hace que le perdonemos en parte su falta de ritmo y su caída final en el aburrimiento para poder salvarla de la quema.

Al menos yo.

La reina Margot

2011-10-19T20:44:00.004+01:00

La reina Margot (Patrice Chéreau, 1994)

Hay muchas cosas que tenemos que envidiar a los franceses, y una de ellas es su cinematografía, capaz de haber desarrollado un sistema al que en este país aspiramos (pero, me temo, nunca llegaremos) basado en crear de forma sistemática productos de entretenimiento dirigidos al gran público y con un mínimo de calidad (comedias aparte, que ya sabemos que en lo de las comedias los franceses son como son) para luego poder hacer películas autorales sin miedo a que las taquillas las destrocen.

El caso que nos ocupa, sin embargo, entra dentro de otro de los grandes aciertos del cine galo, el aunar ambas propuestas. Porque a mi todo lo que he visto de Patrice Chéreau me parece de una calidad más que aceptable (cuando no llega, como en Intimidad, directamente a lo sublime) y con una capacidad de llevar historias a su terreno que no tienen todos los considerados autores.

La reine Margot se basa en un libro de aventuras de Alejandro Dumas y, sin embargo, trasciende más allá de lo que pueda aparecer en él, precisamente, gracias a la lectura que Chéreau realiza de la historia.

Ambientada en las guerras de religión entre católicos y protestantes de la Francia del siglo XVI y centrada en la Matanza de los Hugonotes, la historia romántica de la princesa Margarita (en la que se centra casi todo el metraje) con un soldado y las intrigas palaciegas urdidas por su familia para conseguir su matrimonio con Enrique de Borbón (y la renegación de éste del protestantismo) son transformadas por Chéreau en un fresco vibrante de emociones ante la adversidad que, además, es capaz de entretener y mantener la tensión durante sus (larguísimas) dos horas y cuarto de metraje.

Que no es una película perfecta lo demuestra tanto la elección de una Isabel Adjani demasiado operada ya como protagonista, pero que aún así compone su personaje con un aplomo y resolución envidiable (el film le sirve de vehículo de lucimiento, si bien quizá no mereciera tanto), y que la historia romántica a la que tanto tiempo se dedica se hace prácticamente invisible por el poderío demostrado en el resto del libreto.

Pero aún así merece la pena pasarse por un metraje espléndidamente planificado, con una producción que no debió escatimar en gastos para conseguir una ambientación que ya hubiera querido Díaz Yanes para Alatriste, y una lectura sentimental de relaciones político-familiares que me siguen recordando mucho, años después, a esa joya que es El león en invierno.

Y Virna Lisi, por cierto, como Catalina de Médici, madre de Margarita y araña tejedora de la gran red en la que están atrapados todos los demás personajes del film, se los come a todos con patatas.

Frase de la semana

2011-10-17T15:30:00.000+01:00

Are you sure

Do you want to live like common people?

Do you want to see whatever common people see?

Do you want to sleep with common people?

Do you want to sleep with common people like me?

Pulp, Common People (Different class, 1995)

Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto

2011-10-16T18:58:00.004+01:00

Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995)

Más que por razones cinematográficas lo que motiva su elección para intentar volver a dar vida a estas páginas es su título.
Y es que cuando la muerte (en todas sus posibles variantes, no sólo como pérdida de vida) se hace presente, este acertado epígrafe con que Díaz Yanes bautizó a su primera película (y única decente) me viene a la memoria insistentemente.
Dado que esta entrada ha sido improvisada (y que, desde hace mucho, siempre tengo en la cabeza haber hablado de la mayoría de las películas que posteo por más que el buscador de blogger me diga lo contrario), seré conciso.
Las virtudes de este film, especie de drama policiaco en ocasiones salido de madre, son bastantes pero en los mismos terrenos donde falla. Y es que, sintiéndolo mucho, yo a Díaz Yanes le veo más bien poco talento incluso en su redacción de guiones.

Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto se muestra excesiva desde el inicio. Una historia desmadrada, donde se juega sistemáticamente con las humillaciones, vejaciones y dramas extremos sufridos por la protagonista principal, se mantiene, precisamente, gracias al exceso de la interpretación de Victoria Abril, contrapunto perfecto de las actuaciones de Bardem y Luppi (mesuradas, contenidas) y baza fundamental para dar credibilidad a un libreto que, de no haber contado con ella, quizá hubiera salido peor parado.

Porque la emoción desesperada que infunde Abril a la desgraciada Gloria es lo que mueve todo el film y lo hace avanzar a pesar de sus excesos.
Porque Díaz Yanes intenta dejarse de ejercicios de estilo y, por una vez, de pretenciosidades y se limita a narrar.
Porque cogemos cariño por personajes sencillos que sólo quieren salir adelante.
Porque no vamos a ser demasiado malos el día que volvemos.

[P.D. Estoy oxidado, lo sé. Dadme tiempo]

Frase de la semana

2011-07-18T18:23:00.002+01:00

Nos asociamos.
Nos conectamos.
Estábamos en todo,
éramos como esponjas.
Hablábamos en fax,
igual que los modems.
Parecíamos delfines,
discutiendo de modas.

Hidrogenesse Asociados (Hidrogenesse, Gimnàstica Passiva, 2002).

Volviendo

2011-07-17T10:23:00.002+01:00

Pues eso, que a ver si me da por empezar mañana a retomar este blog, que ya es hora, y me aplico un poco.
El formato pretende ser el mismo, pero como todavía no lo he pensado, informaré de posibles cambios.
De momento me voy a dedicar a leeros a vosotros, que tampoco es que me haya prodigado mucho en los demás blos últimamente.
Nos vemos por aquí.

Texto de la semana

2011-05-23T19:51:00.001+01:00

Cuando todo parece que marcha mal,
ten en cuenta que puede ser que sólo lo parezca.
Por si acaso, quédate cerca de mi,
a mi lado.

Los Planetas, Mi hermana pequeña (E.P. Medusa).

Frase de la semana

2011-05-16T18:24:00.003+01:00

Yo no soy como Bunbury, que coge cosas y no dice de dónde.

Pablo Carbonell en un concierto el viernes.

Mil cretinos

2011-05-15T13:31:00.003+01:00

Mil cretinos (Ventura Pons, 2011)

El cine de Ventura Pons gana mucho (muchísimo) según el texto en que se base. Así sus mejores películas, con diferencia, han sido adaptaciones, tanto de obras de teatro como de relatos cortos, como ya pudimos ver en El porqué de las cosas.
Vuelve a recurrir en esta Mil cretins, de hecho, a Quim Monzó, para hacer algo que ya hizo antes en la película señalada y que sigue dando excelentes resultados no por su labor (más artesanal que otra cosa) sino por la carga tremebunda que tienen los cuentos del escritor. Y es que lo que nos ofrecen, la escritura de uno y la cámara del otro, es un magnífico compendio de la estupidez humana.

Gracias a una labor actoral espléndida y a una dirección sobria y con oficio, los textos de Monzó cobran forma mostrando, gracias a la imbecilidad o desesperación de los protagonistas de los mismos, no sólo la idiotez de los que participan, sino la miseria de la humanidad, que es capaz de ver atrocidades sin que se le remueva un pelo de su sitio.

En sus quince episodios estructurados en tres partes que compone el mismo escritor que protagoniza los últimos, Mil cretins va desbridando comportamientos absurdos hasta su más íntimo significado en un tono seudohumorístico que no solo roza, sino que abraza la crueldad para hacernos ver lo principal: que esos mil cretinos que expone el título somos nosotros mismos.

La ciénaga

2011-05-10T20:15:00.003+01:00

La ciénaga (Lucrecia Martel, 2001)

Una piscina sucia y un ambiente húmedo y bochornoso son el inicio, preludio y resumen de todo lo que vamos a ver en el primer largo de Lucrecia Martel. Una piscina alrededor de la cual se sitúa una fiesta llena de señores borrachos donde una de ellas cae, se corta y sangra, y donde sólo los niños que están en casa salen en su ayuda.
Una piscina de agua tan estancada como la existencia y la moral de los adultos que pueblan la casa y que a lo que más miedo tienen es a que los conduzcan al hospital, La ciénaga lo llaman, sin darse cuenta de que ya ellos están inmersos en una.
Y esa misma ponzoña que embadurna las almas de los adultos es la que poco a poco parece que va apoderándose de los niños y adolescentes, esos que al principio se nos antojan los verdaderos protagonistas de esta cruda radiografía de la amargura, para verse envueltos en ella como partícipes del deterioro moral de los que se supone que deben ser sus ejemplos de vida.

Martel sitúa su historia en verano no por casualidad, nada lo es en esta película. El ambiente, necesario y la gran baza del film, necesita del calor para llegar al fondo de lo que quiere la autora. Esa atmósfera sofocante y opresiva es la que se merece el film.
Esa que no es sino metáfora del lodazal en que acaban envueltos todos sus protagonistas.
Esa de la ciénaga en la que la infelicidad nos sumerge.

Frase de la semana

2011-05-09T18:59:00.001+01:00

El 99,98% de la gente es gilipollas.

Amigos a voz en grito en La Alameda de Hércules (si, no estoy solo).

El hada ignorante

2011-04-26T19:52:00.005+01:00

El hada ignorante (Ferzan Ozpetek, 2000)

Como uno tiene su orientación sexual pero no es militante, cada vez que me encuentro con el último descubrimiento de los cada vez más prolíficos festivales de cine LGTB (y pongo siglas sólo por recortar) tengo una extraña mezcla entre curiosidad y desazón que lo único que consigue es que salga huyendo de tal manera que si me encontrara con una reposición de Los bingueros, entraría a verla.
Claro que al final siempre caigo y hace pocos días, y gracias a mi suscripción a Filmin, tuve la grata sorpresa de ver cómo mis prejuicios eran firmemente abofeteados por una película bellísima que todavía hoy me tiene fascinado.
Entre otras cosas porque Le fate ignoranti se olvida, precisamente, de toda la parafernalia activista que nos llega de esos festivales y se centra en algo que, por lo visto, cada vez cuesta más trabajo en el cine actual y que consiste en algo tan difícil como contar una historia.
Historia de amor, de desamor y de muerte, de pérdidas y encuentros, de secretos, mentiras y medias verdades que, lejos de caer en el dramón histriónico o en la telenovela de parvulario, consigue tratar con dulzura, respeto y sensibilidad (que no pararé de repetir que no tiene nada que ver con la sensiblería) unas experiencias tan duras como pueden a veces llegar a ser las movidas por los sentimientos.

Personajes que sostenían al ausente, aunque ellos creyeran lo contrario, héroes heridos al descubrir que sus mundos nunca fueron lo que parecían, Antonia y Michele, esposa y amante masculino del hombre muerto, descubren al intentar reemplazarlo no sólo su sumisión al otro en ese desatinado intento de normalidad, sino su propia individualidad y su manera de volver a ser ellos mismos.

Frase de la semana

2011-04-25T17:43:00.001+01:00

No puedes ser gay por una sola persona. A no ser que seas una mujer y conozcas a Ellen.

Liz Lemon en 30Rock (S02E07).

Destrozando a... Vivir hasta el fin

2011-04-21T21:35:00.004+01:00

Vivir hasta el fin (Gregg Araki, 1992)

Empezaré por decir que ya el título es espantoso (bueno, el original The living end tampoco es para tirar cohetes), pero de juzgado de guardia, vamos.

Y ahora iré al turrón.

Yo sigo sin ver dónde están las virtudes del cine de Gregg Araki, ese señor que consiguió convertirse en el abanderado del cine gay-indie-americano (aquella estupidez del New Queer Cinema... yo es que estoy ya de etiquetas hasta los mismísimos) aunque luego su relación sentimental más duradera fuera con una de sus actrices y terminara haciendo comedietas románticas bisexuales... pero eso es otro tema.
La cosa es que su tercera película, esta que comentamos hoy y que fue candidata a no se qué premio en Sundance (wikipedia dixit) es un perfecto ejemplo de todo lo que caracteriza a lo que se ha venido en llamar su "cine". Porque todas las películas que he visto de Araki, aunque lo he abandonado hace mucho, son prácticamente iguales.
Partimos de algún conflicto sexual entre varias personas (más o menos llamativo, aquí el descubrimiento de la seropositividad de un escritor y su encuentro con otro seropositivo un tanto psicopático), aparecen personajes secundarios "alocados" (que no aportan nada, que están ahí de adorno y que son totalmente prescindibles) y vemos muchas preciosas postales dialogadas con frases poéticas de mercadillo y que giran y giran y siguen girando acerca de la misma idea que es la que vertebra todo el guión (en este caso, eso de vivir rápido, morir joven y dejar un bonito cadáver).
Que puede tener su gracia, no digo yo que no, pero que aumentaría su valor si lo que van declinando tuviera algún sentido y, sobre todo, si Araki supiera dirigir (actores, entre otras cosas), lo tengo clarísimo.

Porque miren ustedes, yo puedo estar de acuerdo en que alguien quiera ser moderno y planifique las escenas con estilo pictórico seudopop, con que ese mismo alguien limite la actividad de los personajes a estereotipos motrices que se van repitiendo, con que ese alguien desarrolle la actividad dramática allende los actores y centrado en acciones vacuas, incluso con que ese mismo alguien acierte a desarrollar escenas cercanas al video-arte.
Pero con lo que no puedo estar de acuerdo, de ninguna de las maneras, es con que eso sea cine. Me niego.

Texto de la semana

2011-04-18T19:02:00.001+01:00

Consumidor y consumido, el niño-fetiche es el nuevo producto de nuestra civilización.

Françoise Dolto (La dificultad de vivir)

Estrofa de la semana

2011-04-11T19:19:00.002+01:00

Suplícame, que me está gustando.
Te enseñaré cómo lo hice yo.
Insísteme todo lo que sepas.
Y dame todo el tiempo la razón.

La Bien Querida en Queridos Tamarindos (CD Fiesta, 2007).

Monty Python's Flying Circus

2011-04-04T21:10:00.004+01:00

Flying Circus (BBC 1969-1974)

Creía haber hablado ya de esta serie, pero viendo la lista de entradas, parece ser que no. Claro que cuando la he tenido presente desde inicios de este blog, allá en 2007, mientras hacía anotaciones de las posteriores Los caballeros de la mesa cuadrada y La vida de Brian, también es fácil confundirse.
Estoy convencido de que pocas veces en la historia de la cultura del siglo XX ha habido más talento reunido que dentro de los Monty Phyton. Y con eso ya estoy diciendo lo que va a ser esta entrada.
Amos absolutos del humor absurdo, creadores de un tipo de comicidad que luego ha sido explotado por todos los que han querido hacer humor inteligente y plagiados hasta por ellos mismos (The meaning of life no es otra cosa que una sucesión de sketches que bien podrían haber formado parte de esta serie), es en esta obra maestra incontestatable de la televisión donde dan forma, pulen y embellecen lo que nos ha llegado de ellos y conforma todo el universo que los rodeó cuando existían y los ha seguido rodeando tras su disolución.

En realidad lo que hacen no es más que lo que ya expliqué aquí antes, y tampoco me quiero repetir. Así que simplemente diré que, cuarenta años después, el circo de los Python sigue volando alto, alto, mucho más alto, que toda la comedia que hemos podido ver en la catodia desde entonces.
Y no hablemos, evidentemente, del producto patrio, que es harina de otro costal... Aunque es curioso que uno de los más divertidos e ingeniosos gags que tenía el programa fuera a costa de nuestra historia. Recuerden (y si el youtube me deja, lo insertaré) que Nobody expects the Spanish Inquisition.

Frase de la semana

2011-04-04T15:48:00.000+01:00

Paris bien vale una misa.

Enrique IV de Francia (atribuida).

Cantando bajo la lluvia

2011-04-01T18:07:00.004+01:00

Cantando bajo la lluvia (Gene Kelly y Stanley Donnen, 1952)

De todos los posibles géneros del cine, sin duda del que menos he hablado ha sido del musical. Entre otras cosas porque es un género al que, al contrario de muchos de mis congéneres, no tengo demasiado aprecio, pero es innegable que independientemente del género existen películas y la que hoy nos ocupa, concretamente, no puede dejar de gustar a nadie.
Singing in the rain tiene muchas virtudes, además de muchos excesos (cantarines todos ellos), pero es lo que pretende y mucho más. Estamos ante una película que, en forma de excesiva comedia romántica, nos cuenta la historia del paso del cine mudo al sonoro y el concepto de la inserción músical como parte de la estructura fílmica.
Como tal se nos presentaría un relato sensibloide con muchos números musicales al uso, pero en este caso va mucho más allá. En un casi perpetuo e irrepetible ejercicio metalingüístico (me doy cuenta de que últimamente hablo demasiado de ello, si) Donnen y Kelly (el gran artífice sin duda) exploran lo audiovisual del cine hasta hacer chistes (lo más divertido de la película, la voz de Jean Hagen) casi exclusivamente sobre la base auditiva y/o visual.
Decididamente ingenua como las mismas películas de las que habla, colorista y optimista, Singing in the rain se apoya en los tipismos del cine para hacer otra cosa, para demostrarnos que lo de "vista una película, vistas todas" no necesariamente es así.

Elogio a la figura del autor y de la expresión artística, cuenta con algunos de los números musicales más recordados de todos los tiempos y con una banda sonora que ha llegado a nosotros de todas las formas posibles. Todo ello insertado con maestría en la línea argumental de la película y con un manejo de los artefactos que sería inspiración para la mayor parte de los musicales posteriores.
Homenaje al cine musical cuando ella misma se convertiría en el mayor musical de todos los tiempos, esta película seguirá siendo grande por muchas cosas, entre ellas el que música, espacio y movimiento hacen de ella una obra maestra de, esta vez si, algo que podemos llamar arte.
Y para muestra, precisamente la escena más recordada y la que da título al film. Disfrútenla.

Destrozando a... Cache

2011-03-31T21:10:00.004+01:00

Cache (Michael Haneke, 2005)

Me duele a mi más que a nadie tener que hacer esta entrada, pero créanme que lo merece. Y no porque crea que Caché es, en modo alguno, una película tan mala como las que desfilan normalmente los jueves por aquí. La justificación tiene más que ver con la decepción que me supuso que uno de mis directores actuales favoritos cayera en la trampa de la autocomplacencia.

Haneke nunca ha sido idiota y sabe perfectamente lo que se espera de él. La inquietud, los silencios, el juego con las imágenes no vistas y la imaginación del que la ve... todo lo mismo de siempre que, normalmente, usa con imaginación para contarnos sus angustiantes historias.
El problema de Caché estriba en que esa riqueza habitual en el resto de su cine deja paso al recurso repetitivo y se limita a realizar lo que ya ha hecho antes, no sólo sin aportar nada nuevo, sino jugando vilmente con la paciencia del espectador.

A todas, absolutamente todas las escenas de Caché le sobran, como poco, diez segundos. Tiempo que es utilizado para que Daniel Auteuil y Juliette Binoche compongan unas actuaciones soberbias y las sigan recomponiendo una y otra vez de manera totalmente prescindible.
Tiempo que es utilizado para no exponer prácticamente nada más allá del tedio de una historia que no termina de enganchar.
Tiempo que es utilizado para difuminar los efectos de la culpa que es lo que en primera instancia parece que mueve las pesadillas del protagonista, de tal forma que no termina de quedar claro.
Tiempo malgastado en rodar una película donde al final todo es tan simple que no terminamos de entender nada de lo que ha pasado.
Tiempo, el nuestro, que está para recordar mejores películas suyas y querer darle cabezazos a todo el que premió y adoró esta cinta, que por más aciertos que tenga y más maestría que veamos en Haneke , no deja de ser mediocre.

O brother (Where art you?)

2011-03-29T21:35:00.004+01:00

O brother (Where art you?) (Joel Coen, 2000)

Sin llegar a ser lo mejor que hayan hecho los Coen (hay donde elegir, aunque no me cansaré de repetir que yo siempre me quedaré con Sangre Fácil) esta comedia ambientada en los años 30 en la América profunda tiene sus aqueles, que son bastantes.
Exceptuemos el hecho de que a mi George Clooney me cae bien (y no me parece mal actor) y que John Turturro me parece de los actores más camaleónicos e infrautilizados de la industria del cine hollywoodiense. Porque si no, mis simpatías hacia esta película se hacen evidentes desde el inicio.
Quedémonos mejor con el retrato, entre simpático y tremendo, que los Coen realizan de la sociedad de una época, desde las más fugaces anécdotas a los signos más definitorios (el racismo, la podredumbre política, la pobreza, la religiosidad excesiva...), gracias a las andanzas de tres presos en busca de un falso tesoro que sólo uno de ellos conoce realmente, el tesoro de lo que dejaron atrás.
Escenas oniroides, inocencia interrumpida por la realidad, sueños ajados por la verdad y un final a medio camino entre lo mágico y lo esperpéntico son las armas fundamentales que utilizan los autores para dibujarnos la idealización de un mundo donde casi nada era perfecto.

Personajes extravagantes, risibles y encantadores, colorean un paisaje demasiado lleno de polvo, donde la realidad, la cruda realidad, sólo será finalmente interrumpida por el paso del destino.
¡Y qué música, oigan!¡Qué musica!

30Rock

2011-03-28T21:16:00.004+01:00

30Rock (NBC)

[Nota mental: Tres entradas en dos días, no se quejaran]

Tengo hasta las narices a los tuiteros que tuvieron a bien darle al botón para seguirme (pobrecicos) de hablarles de mi último descubrimiento televisivo. Último porque sigo siendo un burro y no me termino de fiar de lo que me dicen los amigos que llevan recomendándome esta serie años.
30Rock, serie a mayor gloria de Tina Fey (esa Liz Lemon antiprototipo femenino de la Gran Manzana) y Alec Baldwin (que no se ha llevado tantos premios ni ha estado mejor nunca) es una auténtica joya de la comedia.
Si el cine dentro del cine ha dado frutos excelentes, la televisión dentro de la televisión no ha tenido normalmente la misma suerte (si exceptuamos Sigue Soñando, serie que alabo en mi memoria pero que no tengo manera de encontrar para ver si es así).
Por ello, la apuesta de la NBC en manos de una cómica curtida en el Saturday Night Live y que tiene como baza fundamental la sátira de la producción televisiva de mercado actual, parecía como mínimo interesante.
Una vez comienzan a explorarse sus temporadas (ya va terminando la quinta) nos damos cuenta de que lo es mucho más que todas las expectativas que teníamos en ella.
Exageradísima recreación de las fuerzas dinamizadoras de la economía televisiva, afilada sátira del intelectualismo neoyorquino, 30Rock consigue lo que pretende de la forma más difícil, la exageración hasta casi el infinito de los roles de sus personajes sin que, sin embargo, lleguen a rozar el ridículo.

Acometidas constantes contra actores famosos (Anne Heche es la gran damnificada) incluso en los textos de los programas que ellos mismos visionan, repetición de situaciones periódicas para subrayar la nula evolución de los personajes (esas llamadas telefónicas de Liz Lemon borracha son antológicas), homenajes confesos a grandes y menores obras cinematográficas, publicidad falsamente encubierta (y bromas sobre la forma de encubrir esa publicidad) y estereotipaciones ideológicas que ridiculizan a los que pueblan Manhattan y hacen series para televisión, son solo algunas de las cosas que nos ofrece una de las sitcom más ingeniosas y completas que he visto desde hace tiempo (y saben ustedes que frecuento bastantes) y que utiliza la "blancura" del humor que tiene que desarrollar precisamente en su faceta de producto de multinacional para dinamitar sin cortapisas lo políticamente correcto de lo que, se supone, debería hacer gala.
Muy grande, señores, muy grande.

Frase de la semana

2011-03-28T17:40:00.003+01:00

Ahora pienso que no merece la pena.
Arriesgarme traerá más problemas
así que ahora elijo lo que tengo más cerca,
por lo menos tendré la certeza
de que existo, de que puedo decidir
de que elijo por mí, sólo por mi.

Los Planetas, La copa de Europa (L.P. Una semana en el motor de un autobús).

Tierra y Libertad

2011-03-27T19:08:00.004+01:00

Tierra y libertad (Ken Loach, 1995)

Hoy voy a hablar de una película que a mi me encanta. Y es de coproducción española y trata de la Guerra Civil, miren ustedes. ¿A que nadie creía que eso fuera a pasar en este blog si no iba asociado a Berlanga? Pues miren por donde.
En realidad esto es así por una razón. Y lo es porque Ken Loach, director inglés, es el único que, aparte del maestro, ha sido capaz de dar una visión medianamente madura de lo que ocurrió para que el bando republicano perdiera la Guerra, más allá de las visiones maníqueas de todos los directores de un cine que lleva treinta años viviendo de la explotación de la misma.

Y eso que Loach realiza una película militante, y mucho. Pero Loach sabe que si alguien quiere hablar de historia, debe contar con todos los elementos de la historia, todos los elementos per se y en condiciones de igualdad y no centrarse en el discurso de republicanos-buenos/golpistas-malos en el que anda metido el cine patrio.
Es cierto que se puede acusar a Loach de ensalzar hasta límites insospechados la figura de los anarquistas, pero realmente no es así. Loach ensalza a las personas que intentaron cambiar las cosas y no fueron dejados, los que se sacrificaron en busca de unos ideales y lo que ellos entendían era el bien común, los que estaban y se quedaron solos.
Porque lo que a Loach le interesa, más allá de la historia, representada con una fidelidad cronológica que muchas veces falta, es la vivencia de los que defendieron lo suyo y lo de lo demás en aras de la justicia social.
Como personas completas, no simples arquetipos, dibuja el director a sus personajes, no quedándose en lo anecdótico y haciendo el mismo hincapié en sus defectos que en sus virtudes, por más que el tono general, y ya lo dije anteriormente, sea el de la glorificación de la causa.

A pesar de ello y de las espinas que puede levantar en un país en el que parece que nadie está interesado en que se supere el odio, Loach realiza una película sobre personas con afectos, sobre vidas en juego y sobre formas de soportarlas, una película emocinante y cuya última escena, esa constatación de la impotencia del que se rebela cuando su suerte está echada, me provocó en su momento más de una lágrima. Y yo no pertenezco al POUM.

Frase de la semana

2011-03-21T15:50:00.001Z

¡Por el martillo de Thor!

Liz Lemon en 30Rock.

Diálogo de la semana

2011-03-14T11:00:00.002Z

- ¿Y vendiste tu alma por eso?
- No la estaba usando.

Pete y Tommy en O Brother, were art you.

Barry Lyndon

2011-03-11T20:15:00.006Z

Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)

Hace dos semanas, cuando pensé en escribir sobre esta película, tenía muy claro lo que quería decir. El tiempo pasa y mi cerebro está dando claros signos de deterioro porque ahora mismo no recuerdo lo que era. Pero aún así, intentaré, ahora que tengo un rato para actualizar, dar una pequeña visión de una de las obras magnas de Kubrick, lo que no es moco de pavo.
Lo primero que sorprende de Barry Lyndon es el tratamiento de las imágenes. Y no sólo porque Kubrick se empeñara en rodar con luz natural (veinte años antes del movimiento Dogma, por cierto) ni porque siguiera con su milimétrica composición de planos, sino porque consigue, y eso muy pocos lo han logrado a pesar de la infografía, realizar cuadros en movimiento.
Con un gusto exquisito, las imágenes del film, el recorrido por Europa que realiza el futuro señor Lyndon, presentan una plasticidad visual sorprendente, sirviendo de perfecto decorado para las andanzas del antihéroe con el que Kubrick disecciona los males no tanto de una época como de la existencia humana en general.
Redmond Barry, futuro señor de Lyndon, es el hombre a seguir para ello. Presentado en primera instancia como un pasional romántico, desventurado y engañado, pronto sin embargo se nos empiezan a presentar los defectos de un supuesto héroe que terminará a su vez engañando y haciendo desventurada la vida de su esposa con tal de lograr un prestigio y una posición que se nos antoja la causa de su supuesta metamorfosis y su final melotrágico.
Con esta línea que narra el ascenso y la caída de un pobre hombre llevado por las circunstancias a modo de drama romántico, Kubrick sin embargo nos muestra toda la miseria que ese supuesto buen hombre arrastra consigo (tanto en él como en el personaje de su madre, última protagonista del evento) y que nos lo convierte en un redomado cobarde, buscavidas y traídor.
Para ello se sirve, y personalmente creo que es la gran baza de la película, de una voz en off que, en tono casi cínico, nos va narrando la realidad de lo que acontece más allá de las imágenes que se nos van presentando.
Esa voz en off se nos convierte en la gran protagonista de la historia, la que pone en palabras las que los mismos personajes no pronuncian, para realizar un salto metalingüístico definitivo: no sólo nos dice Kubrick lo que vemos, sino lo que no queremos oír.

Especie de bellísima crónica de una clase, la aristocrática, que todavía sigue existiendo, aunque sustituyendo títulos nobiliarios por puestos en la lista Forbes, y de todas las miserias que la rodean a ella y a los que aspiran a conseguirla, Barry Lyndon es, como pocas veces ha sido el cine, arte completo, de sonidos, de silencios, de vista, de tacto, de emociones y pasiones.
Y todo ello por muy larga que sea (que a mi no me lo pareció) y por mucha frialdad que dicen que demostrara Kubrick (que yo en esta no la veo por ninguna parte). Para los que se vayan a quejar de lo mismo de siempre, digo.

Diálogo de la semana

2011-03-07T10:07:00.000Z

-Yo nunca he pagado por tener sexo.
-Eso es lo que tú te crees.

Kleinman y una puta en Shadows and Fog.

A petición popular: Destrozando a... Nawja Nimri

2011-02-24T12:08:00.001Z

Nawya Nimri (A petición popular porque yo no tengo nada malo que decir de esta...¿a qué habíamos dicho que se dedicaba?)

No quiero dar las conclusiones demasiado pronto, pero recapacitemos. ¿En que país del mundo con una industria cinematográfica inexistente y un panorama musical desolador, una señora que no tiene voz y no sabe actuar llevaría hechos diez discos y veintiocho películas en quince años? Pues en uno de pandereta, como el nuestro.
Reconoceré, porque lo hago y porque los tengo, que por más que se dedique a copiar a Björk en su versión más comercial, alguno de sus discos son más que salvables, aunque personalmente prefiero darle el mérito a Carlos Jean. Pero no seré hipócrita (ya digo que mi colección de cedeses me delataría) y asumo que algunas de sus propuestas musicales se salen de la mediocridad imperante en los cantantes españoles, sin ser ella nada de eso, porque a pesar de no tener voz, para hacer lo que ella hace, tampoco la necesita.
Pero el tema de la actuación ya es otro cantar...
Estar casada con un director de cine abre muchas puertas. Si es un director que se puede apuntar a una moda (en el caso de Calparsolo o Calparsoro o como se escriba, que nadie se pone de acuerdo, el de la hornada de nuevos directores vascos) dará para hacer una película inicial con cierto interés y otras cuantas que pasarán sin pena ni gloria (ya dije hace tiempo que a mi me gustó Asfalto, pero hasta en eso soy raro) y donde su esposa se podría dedicar a hacer lo que hace siempre: susurrar y poner cara de espantada sin saber entonar el texto y sin que los demás seamos conscientes de los motivos de sus impostadas angustias.
Amenábar la contrató para la infumable Abre los ojos (que ya se que tiene muchos frans, entre los que no me encuentro, como ya expliqué aquí) para hacer, como dicen Jordi Costa y Darío Adanti en la estupenda "Mis problemas con Amenábar" (a reivindicar uno de estos días) de "femme fatale" cuando ya ella es "fatal", creando así un monstruo que, como todo lo que viene del niño mimado del cine español, se creyó bueno (aunque está peor que Penélope, que ya es decir).
Para acabar de rematar la faena llegó un Medem en franca decadencia, pero que gracias al éxito mediático de Los amantes del Círculo Polar, consiguió que la susurradora se hiciera con un nombre y, en base a esa misma incapacidad fonatoria, se convirtiera en una especie de icono para directores más preocupados de la presencia que del cine.
Y Medem la siguió llamando, Salazar (que todavía está por hacer una película decente por más que en mundo gay patrio Piedras, donde hasta la gran Vicky Peña está espantosa, sea considerada una cuasi-obra maestra) la subió a los altares y a La Fura dels Baus se les acabó de ir la pinza llamándola para su versión de Fausto.
Total, que quince años después de que saltara al vacío sin desnuncarse, continúa sin saber dicción, sin que se la escuche cuando habla, y sin ser capaz de expresar nada que no tenga que ver con sus (preciosos, porque ahí está el secreto de su éxito) ojos mirando a la lejanía.
Eso sí, ella va de diva progre y de artista polifacética, y como la Etxebarría, tiene a su grupo de acólitos jadeándola. Lo único que explicaría que se le de el calificativo de actriz sería una enfermedad neurológica degenerativa. Y si fuera así... retiro todo lo dicho y ella que se retire a descansar por su bien y el de los demás.

Toy Story 3

2011-02-22T19:32:00.000Z

Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010)

Aunque detrás del proyecto, en la producción concretamente, está John Lasseter, que ya filmó las dos anteriores.
Traemos aquí la mejor película de 2010 (lo es sin duda alguna, no hace falta haber visto el resto) porque lo merece, porque este domingo no se va a llevar el premio del copyright ya que en Hollywood no hay justicia, y porque celebraré recordándola (a ella y a todo lo que me hizo llorar) que llevamos ya ochocientos post en este site, cada vez más abandonado dada mi desidia y mi última adicción al despelleje tuitero.
En fin, que Toy Story se ha convertido durante todo su recorrido en posiblemente la mejor saga fílmica de la historia, abordando bajo una falsa apariencia infantil temas tan importantes como el nacimiento, el crecimiento, la adultez y la senectud. E incluso el camino a la muerte y la desaparición, tan presentes en esta tercera parte.
Pixar lleva años demostrando que se puede hacer cine de entretenimiento emocionante y con alma (y, como siempre, a Wall-E me remito) y más allá del periplo vital de Andy (que casi es una anécdota), vuelve a los personajes que más han hecho por el estudio (y por la Disney, claro) para rodar una película sobre la más irreversible de las pérdidas, la final que, incluso, y esa es la esperanza que nos queda, puede ser elegida y digna.

Bajo el mismo cuento lleno de personajes entrañables y divertidísimos, con malos perversos y engañosos como en ningún otro, nuestros héroes vivirán todo tipo de aventuras que permiten, porque para eso es para lo que sirve un buen guión, el desarrollo de la historia de una familia, la de los juguetes, que parecen querer permanecer unidos en la salud, en la enfermedad y hasta que la muerte les separe.
Francamente bella, Toy Story 3 es el perfecto cierre para una historia que yo empecé a ver cuando dejaba la adolescencia y que no hace otra cosa que mejorar con los años, aunque sea por las comparaciones.
"Hay un amigo en mi, hay un amigo en mi..." Versión Gipsy Kings, eso sí...

Los Tudor

2011-02-21T18:44:00.005Z

Los Tudor (Showtime)

Ante la idea que tienen las productoras españolas de que lo que ellos hacen es ficción televisiva de calidad, dejaré claro que lo mismo un día de estos hablo de El barco. Será un jueves.
Mientras tanto nos vamos a países donde si se toman en serio sus producciones aunque, en el caso que nos ocupa, la calidad sea más un espejismo estético que cualquier otra cosa.
Para empezar, pongamos una imagen de lo que, ante todo, puede justificar el visionado completo de esta serie:

Efectivamente, es Cavill, el gran Cavill, que aparte de ser un estupendo actor, contenido pero potente como nunca hubo salido ninguno del Actor's Studio, es guapo a rabiar.
Porque básicamente de eso se trata The Tudors, de hacernos bello el inicio de una de las épocas más terribles de la historia europea en general e inglesa en particular, las guerras de religiones.
La dinastía Tudor y sus personajes permanecen en la mente de todos los que alguna vez estudiamos Historia por anécdotas en las que los guionistas de la serie, sin embargo, centran toda su atención, olvidándose del rigor histórico más allá del forzar fechas para que Tomás Moro sea decapitado el día que le tocaba.
Aunque en realidad da lo mismo, porque The Tudors de lo que menos va es de historia. La serie es una larguísima recreación de intrigas palaciegas de esas que azotaban todas las cortes europeas, queriendo que fueran las que se desarrollaron durante el reinado de Enrique VIII y favorecidas por su líbido y su deseo de que le parieran un heredero varón.
Y a pesar de querer pretender ser un homenaje al desarrollo del anglicanismo y a su primer representante, nos presentan a Enrique, el supuesto héroe, como un cantamañanas salido y caprichoso que se cree bajado del cielo y no puede tolerar la más mínima afrenta, cambiando de opinión y cortando cabezas cual Reína de Corazones al descubrir que en el jardín se habían plantado rosas blancas.
Y vamos acompañándolo en sus desamores con Catalina de Aragón, en su affair con Ana Bolena (en modo arpía), su posterior enamoramiento por Juana Seymour (yo es que los nombres me los aprendí en el colegio así)... hasta su muerte, poco heroica, solo en su castillo.

Irregular, en todo caso, sólo la primera parte de la vida de Enrique, especialmente la segunda temporada, consigue emocionar y merece un buen repaso, pudiendo haber copado la mayor parte del tiempo con lo que nos hubiéramos ahorrado una tercera y una cuarta temporada tediosas y repetitivas, cuyo único sentido era el desenlace conocido y donde hasta los despelotes parecían escasear.
Personajes que aparecían y desaparecían, tramas incompletas, estereotipaciones, personajes desaprovechados (la futura Isabel, la gran reina del periodo, y su deseo de permanecer lejos de los hombres habrían dado mucha más emoción que los devaneos del monarca)...
Ni siquiera el capítulo final, facilón e infantiloide, salvó lo que hacía diez capítulos había perdido el norte.
En fin, que estoy escuchando la radio a toda voz y no se lo que he dicho, pero... ¡qué guapo es Henry Cavill!

Frase de la semana

2011-02-21T10:56:00.000Z

Lo siento, pero yo no acostumbro a montar en animales irracionales.

José Antonio Labordeta en Regular, gracias a Dios.

Me and Bobby McGee

2011-02-19T11:41:00.003Z

Me and Bobby McGee (Janis Joplin)

Bueno, pues... ¿hace falta en realidad que diga algo?

This film is not yet rated

2011-02-15T18:18:00.003Z

This film is not yet rated (Kirby Dick, 2006)

Si tengo que destacar, así de inicio, algo de este documental es que es una película francamente divertida.
Y no sólo por la ridiculización sistemática de la institución encargada de calificar por edades las películas en EEUU, que es lo que se pretendía al fin y al cabo, sino por todo el tono general de la cinta, plagado de ironía y sarcasmo cuando no directamente delirante.
Por una vez, y sin que sirva de precedente, se les quita la voz a los que deciden lo correcto, esos mismos que pretenden poner freno a la creatividad, y se les da a las víctimas, en este caso los directores, que cuentan entre la estupefacción y la sorna sus experiencias, más o menos sesgadas pero las suyas, con la cámara censora más importante del mundo.
Las tácticas cuasi mafiosas que utilizan en sus recomendaciones son otro de los puntos de mira de este interesante film que, sin embargo, es en su trama donde encuentra su mejor baza.
Porque lo verdaderamente fascinante del documental es la búsqueda que organiza Dick, vía investigadora privada, de los miembros de la Comisión, vertebradora de toda la historia de la conquista de una buena calificación para esta película que está filmando.
Descacharrantes son las persecuciones, búsquedas en la basura y llamadas telefónicas que consiguen localizar a los fenómenos encargados de hacerlo, cuya capacitación para el cargo es tan cuestionado como sus propias decisiones.

Lo más triste es que en EEUU, más que en ninguna otra parte del mundo, no sólo estos señores deciden el público apropiado para cada una de las cintas, sino que esa misma calificación es la que decidirá la carrera comercial (e incluso si se llegará a estrenar) de las cintas sin tener en ninguna consideración algo tan simple como su calidad. Y eso es lo más indignante de todo.
Claro que lo mismo no es tema para aquí, ni para hoy.

Californication

2011-02-14T16:30:00.002Z

Californication (Showtime)

Leía en alguna parte (o en varias) que Californication era el Sexo en Nueva York (o en su defecto el Queer as folk USA) para heterosexuales cuarentones. Sin querer contradecir dicha afirmación, cierta como que la Gala de los Goya se va superando en cutrez año tras año, si que pretendo dejar claro desde el principio una cosa muy sencillita: Californication es muchísimo mejor que ambas dos. De largo.

Cambiamos Nueva York por Los Ángeles, a un grupo de amiguitas por un escritor vicioso que sólo tiene a un amigo, igual de pervertido, que además es su agente (patrón mucho más masculino), una ex-mujer (arquetipo del cuarentón libérrimo )y una hija adolescente gótica (e inadaptada) que, como no podía ser de otra manera, se lleva mucho mejor con el padre que con la madre que pone las normas.
De ahí en adelante lo que tenemos son muchos personajes con los que nuestro Hank Moody (infinitamente más simpático que la insoportable Bradshaw) se va topando en su desastrosa carrera hollywoodiense, la mayoría de ellas mujeres licenciosas que no dudan en calmar su apetito sexual con el seductor escritor venido a menos mientras este sueña con volver con su ex-mujer, supuesto amor de su vida, y que nunca termina de salir bien.
Hasta ahí podemos apreciar el parecido, pero a diferencia del inexistente periplo de las pijas neoyorquinas en búsqueda del amor de sus vidas, Californication utiliza el estereotipo opuesto para mostrarnos las miserias de la supuesta Meca del glamour estadounidense, convirtiendo las experiencias sexuales de sus protagonistas en bromas con las que describe (o denuncia) la vacuidad de una ciudad pagada de si misma y de unos habitantes demasiado complacidos pensando que son el ombligo del mundo como para darse cuenta de que existe algo más.
Visión demoledora aunque optimista de la más alta cota que se le presupone al american way of life, Californication sin embargo sufre de algo que también padecía aquella con la que la comparábamos y que lastra especialmente su tercera temporada, y que no es otra cosa que el estatismo.

Porque queramos o no, Californication se plantea como una sitcom evolucionada, queriendo huir de la teatralidad y mezclarse con el drama, sin conseguirlo del todo. Y una vez resueltos todos los chistes posibles sobre el estilo de vida que presenta, lo único que queda son dimes y diretes con la vuelta o abandono de la mujer amada y las múltiples transgresiones amatorias que las provocan, algo ya visto desde la primera temporada y que, pese a capítulos con gags y espacios cómicamente monumentales, dejan cierta sensación de aburrimiento y tedio que, si bien no viene bien a ningún producto, precisamente a esta serie la deja bastante más tocada de lo deseable.
Teóricamente se iba a cancelar, pero hace unos días me he encontrado con los primeros capítulos una cuarta temporada que acaba de empezar y que, sin haber visto todavía, promete una estancia en Nueva York (aunque supongo que no en la zapatería de Blahnik) como revulsivo contra esa misma quietud dramática. Esperemos que si.

P.D.: Y, se me olvidaba, lo que vi anoche en los Goya aquí.

Texto de la semana

2011-02-14T11:57:00.000Z

Esta mano se apartó bien deprisa; pero Julien se impuso como un deber el conseguir que esa mano no volviera a retirarse cuando él la tocara.

Stendhal, Rojo y Negro.

Dog days are over

2011-02-12T09:26:00.004Z

Dog days are over (Florence + The Machines)

El llevar años sin escuchar regular y atentamente la radio (radio 3, que es lo único que se puede en este país) te desconectan del mundo musical, de tal forma que a pesar de recomendaciones varias, se queda uno estancado en lo suyo y necesita que venga la Banda Sonora de Glee, repleta por otro lado de ídolos adolescénticos, a descubrir pequeñas joyitas de vez en cuando, que es lo que me pasó hace un par de capítulos con Florence + The machines.
Como todavía no los conozco de verdad, me limitaré a dejar su canción, especie de folk evolucionado y mucho mejor que la edulcorada versión de la, por otra parte, divertidísima serie, una de mis preferidas actualmente.

Frase de la semana

2011-01-31T21:09:00.003Z

Pilar Rubio se ha puesto tan cerda que se haría la matanza a sí misma.

MiAmigoAlvaro en el twitter de #otlive.

P.D.: las redes sociales son muy peligrosas, sobre todo cuando llueve. No dejen que les atrapen o terminarán viendo cosas infumables con tal de desvariar... aunque perlas como estas merecen la pena, para qué negarlo...

Destrozando a... El método

2011-01-27T19:23:00.003Z

El método (Marcelo Piñeyro, 2005)

Debe ser horrible para un argentino, sobre todo con el ego que gastan, que le digan que deja a medias, pero con Piñeyro es la única sensación que tengo siempre presente.
Aunque no es el único responsable de haber logrado que una de las sensaciones teatrales de inicios del nuevo siglo pasara al cine con más pena que gloria, también merece ser castigado Mateo Gil, ese señor que como escribía guiones con Amenábar (ni que ese fuera el punto fuerte de su filmografía) creyó que podría dirigir cine (es harto injusto que Nadie conoce a nadie no haya pasado por aquí todavía) y lucirse como guionista de categoría en todo lo que le diera la gana... pos eso mismo.
Si además ponemos a esa señora que cree que susurrar es actuar y a unos cuantos más que intentan lucirse por todos los medios... pues ni Eduard Fernández la salva, miren ustedes.
Que la obra nunca la vi y después de ver esto ya nunca me quedaron ganas. ¿Cómo?

El maquinista

2011-01-26T18:36:00.005Z

El maquinista (Brad Anderson, 2004)

Llevo tiempo sin intentar explicar una película sin decir nada y no tengo muy claro que me haya salido, así que debiera comenzar gritando ¡¡ATENCIÓN SPOILER!!, por si las moscas.

Que la culpa ha sido una de las grandes inspiradoras de las artes es algo en lo que no cabe discusión alguna, y si alguien la quiere, le recomiendo encarecidamente que se repase cualquier obra de Dostoievski, por ejemplo, y luego me cuenta.
Claro que en el cine también ha dado, y muchas, grandes películas como la que nos ocupa. No es la primera vez que se trata el tema de la "locura" dentro del cine, ni necesariamente tiene que ser la mejor, entre otras cosas porque El maquinista no es, ni lo pretende, una película original.
Sólo dos años antes Cronenberg había hecho un acercamiento en la línea de lo que aquí hace Anderson en la magnífica Spider, y treinta años atrás Polanski había rodado, como antecedente directo de esta cinta, la espléndida El quimérico inquilino, cuento de terror a recuperar un día de estos. Pero el que tenga unos referentes (los dos primeros que me vinieron a la cabeza, que no los únicos) de la valía de estos no quita ningún tipo de mérito a lo que esta película consigue.
Mérito que va mucho más allá de la espeluznante transformación física de un Christian Bale más comedido que de costumbre, y que se concentra en dotar de veracidad la historia de terror en la que se va convirtiendo la vida del protagonista cuando la historia se repite.

Y en narrar esa historia desde la vivencia del la víctima en sus dificultades y en sus miedos, haciendo que compartamos con él ese mismo pánico a lo que piensa que le está ocurriendo.
Todo ello además sin que intuyamos, cosa que sólo ocurre hacia el final de la película, lo que realmente está pasando, en una construcción fílmica ejemplar de lo que debe ser una película de terror, sin escatimar sin embargo en el acercamiento necesario a la construcción psicológica y relacional de sus personajes no sólo como método intrigante sino como factor fundamental en el buen desempeño de lo que se nos cuenta.
Una película redonda, oigan.

Frase de la semana

2011-01-24T20:13:00.003Z

Lo importante es tener salud.

Arroyito y Pozuelón en Orgullo del Tercer Mundo.

Time Warp

2011-01-22T15:05:00.000Z

Time Warp (The Rocky Horror Picture Show OST)

Seguiremos con el homenaje aquí (para terminar la semana, me temo). Yo quiero dar un jump to the left también.
Buen sábado.

The Rocky Horror Picture Show

2011-01-21T20:25:00.000Z

The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975)

Quizá sin quererlo, The Rocky Horror Picture Show se nos antoja tanto tiempo después como la película del Glam rock, tal y como Quadrophenia es la de los mods.
Y digo sin quererlo y quizá sin pretenderlo porque, aunque poco tuviera que ver en la gestación de esta cinta el movimiento Glam (cosa que por otra parte desconozco), estoy convencido de que The Rocky Horror Picture Show no podría haber sido ni podría haberse hecho en otro momento que no fuera aquel.
No sólo porque nos retrotrae al nacimiento de Ziggy Stardust, ni por el maquillaje y el travestismo, sino por el tono rompedor y liberador (ante todo sexual) del que la película sigue haciendo gala, treinta y cinco años después.
Convertido en fenómeno de culto (deseando estoy alguna vez en mi vida acudir a una de sus divertidísimas proyecciones) e imitado y reimitado por tantos y tantos (entre ellos por Glee en el mejor capítulo de la temporada), nadie sin embargo será capaz nunca de eclipsar a todos y cada uno de los actores en sus personajes, excepción hecha con la Sarandon (y si no, miren ustedes la Wikipedia), especialmente el Fran-N-Furter de Tim Curry, endiabladamente dislocado (si, dislocado) y componiendo una diva mitad maquiavélica mitad pasional que ni la Swanson y que no explica, nunca explicará, que al final haya acabado trabajando para la Disney.

Homenaje confeso a las películas de ciencia ficción de la RKO, lo que hace grande, tanto tiempo después, a The Rocky Horror Picture Show no es sólo lo delirante, lo escenográfico, los homenajes, los números musicales, lo exagerado... lo que lo hace grande, que lo es y mucho, es que tantos años despúes sigue siendo igual de libre y transgresor como lo fue en su momento. Y que ninguna otra modernez ha sido capaz de llegar al grado de provocación que muestra, por ejemplo, la escena del teatro. Ni más ni menos.

Destrozando a... Spartacus: Blood and Sand

2011-01-20T18:11:00.000Z

Spartacus: Blood and Sand (Starz, 2010)

Retomamos sección (tenía pensadas otras, pero como bastante es que esté actualizando, tanto tiempo después, lo iremos dejando para más adelante) con la prueba irrefutable de que hay productos que pueden ser interesantes una vez a modo de experimento, pero más...

Spartacus (Blood and Sand) es una serie que se apoya en un tratamiento digital similar al empleado por Zack Snyder en 300 (película que creo que fui el único al que gustó). Tratamiento que era luz y guía de una película que se basaba en un comic cuyo aliciente principal era la estética, y que ha querido ser trasladado en todas sus premisas a serie de televisión de capítulos tediosos e inacabables.

Como con sangre parece que los productores no terminaban de estar contentos, acabaron rellenándolo todo de sexo (tan estético, tan impersonal, tan vacío), preferiblemente masculino, para olvidarse de los guiones y las actuaciones (parece que nadie puede decir nada si no es en medio de un polvo o una matanza) y realizar un videoclip carísimo perfectamente olvidable.
Como me decía Josito el otro día, yo también prefiero una porno y termino antes.

Bowling for Columbine

2011-01-19T15:24:00.000Z

Bowling for Columbine (Michael Moore, 2002)

Michael Moore es, bajo mi poco humilde punto de vista, un personaje terriblemente irritante, demagogo y farfullero. Eso no es obstáculo para que, bajo su enorme prepotencia y tendenciosidad, de vez en cuando tenga razón en lo que expone.
Y es que si Fahrenheit 9/11 se nos antojaba una irregular y muy parcial visión de la política norteamericana (a la que dedicamos dos entradas aquí y aquí), Bowling for Columbine, su antecedente directo y responsable de la fama del realizador, resulta con los años mucho más compleja y completa.
Dejando de lado el hecho de que Moore es capaz de mentir deliberadamente y engañar a sus entrevistados bajo falsas premisas (extraña que Charlton Heston no le metiera dos buenos sopapos al casi responsabilizarlo del fallecimiento de una pequeña de seis años), lo cierto es que el análisis que realiza y donde tira por tierra todas las justificaciones dadas por los organismos pro-armas para el mantenimiento de la venta indiscriminada de las mismas en todos los confines de los Estados Unidos de América y la de la violencia imperante en la sociedad norteamericana, se nos antoja adecuado y casi certero aun viviendo tan lejos.
Y más cuando compartimos la visión de los canadienses que viven al otro lado de Detroit (de los mejores pasajes de la cinta) que, no obstante y gracias al montaje, dan a Moore más razón de la que escuchándolos simplemente se podría esperar.
Grandes aciertos son los pasajes animados, por más que la exposición de tesis simples los lastre, y las entrevistas con ciudadanos de a pie que, esos sí, viven día a día con las armas y creen a pies juntillas lo que la Asociación Nacional del Rifle les cuenta.

Por más que Moore enseñe y se regodee de sus "triunfos" contra las "grandes corporaciones", por más que no sepa sacar tajada de todas las perlas que sus invitados van dejándole en las manos y se limite a cultivar solo las que necesita para su maníqueo discurso, por más que sea casi omnipresente en el metraje y casi sin él saberlo, Bowling for Columbine nos deja un retrato perfecto de la sociedad yanqui tanto por ellos mismos como vistos por sus vecinos del norte. Y eso si que no tiene precio.

Yo, robot

2011-01-18T18:48:00.000Z

Yo, robot (Alex Proyas, 2004)

De alguien que fue capaz de perpetrar El cuervo y poco después dirigir esa pequeña joya que se llamó Dark City se puede esperar prácticamente cualquier cosa. Incluso puede esperarse que teniendo un guión de ciencia ficción espléndido basado, aunque vagamente, en las Leyes fundamentales de la robótica de Asimov (además de compartir título), se dedique a darle la cuota chistosa que los amantes de The Fresh Prince querían de Will Smith estando casi a punto de estropear una película por lo demás impoluta si consideramos sólo el entretenimiento.
Si consideramos el abismo que termina separando la propuesta de Proyas de toda la temática Asimoviana nos daremos cuenta de que, por más que por momentos se acerque, las demasiadas concesiones a la comercialidad del film terminan haciendo sombra a lo que se intuye como una lúcida mirada al desarrollo de vida inteligente, como una aproximación a la aberración que pudiera suponer que el hombre juegue a ser Dios sin tener el poder que un Dios tendría para corregir lo que ha hecho.

Tanta cera para tan poca mecha entre chistes de superhéroe chulesco y artillería visual (la escena de la persecución por el túnel es grandiosa en ese sentido) que Proyas acaba por dejar la filosofía para otro momento y entregarse a la narración de la historia que, al fin y al cabo, tampoco es mala opción.
Eso sí, por más que se esfuerce en hacer planos impactantes, lejos está el miedo que inspira la nada de Dark City con el de la reunión robótica de esta... tan lejos como la profundidad que las separa cuando en esencia están contando lo mismo.

Caprica

2011-01-17T16:08:00.000Z

Caprica (Sci-Fi, 2010-2011)

Hacer un spin-off de una serie que no sólo ha demostrado que se puede hacer ciencia ficción televisiva de calidad, sino que tiene un fanbase (siempre quise decir esto) tan potente como Battlestar Galactica es muy arriesgado.
Si además comienza de forma tan tímida como lo hizo la primera parte de Caprica, donde se quiso dar más valor a la organización de posibles futuras subtramas que al desarrollo de lo que ya tenían entre manos, terminamos, como no podía ser de otra manera, con una cancelación prematura justo en el momento en que la serie se estaba definiendo y donde comenzaba a entreverse lo grande que podría haber sido.

Y es que si bien los primeros capítulos de la primera (y única) temporada de Caprica se movían dentro de lo dubitativo y de las suficientes subtramas paralelas para no acabar de contar nada, la segunda parte, programada de forma absurda en EEUU, se deshacía de lo accesorio y se limitaba a lo que nos deberían haber contado desde el principio, posiblemente debido a su inmediata finalización.

Pero gracias a eso, nos ofrecía ocho de los mejores capítulos que hemos podido ver en los últimos seis meses en la televisión, hilando los temas que dejaría pendiente hasta su predecesora y realizando un resumen de lo que debería haber sido todo su recorrido durante tan pocos minutos finales, casi a modo de avanzadilla, que logró, a pesar de la decepción inicial, que los que la hemos seguido echáramos de menos lo que podría haber llegado a ser.
Una lástima.

Frase de la semana

2011-01-17T10:03:00.000Z

¡Ja,ja! ¡Nadie se espera a la Inquisición Española!

Los Inquisidores en Flying Circus.

P.D.: Algún día tendré que hablar de esta joya. Lo se.

Frase de la semana

2011-01-10T18:38:00.001Z

Soy el Señor Lobo. Soluciono problemas.

Sr. Lobo en Pulp Fiction.

Son los padres

2011-01-06T12:29:00.002Z

Son los padres (Astrud, Tú no existes, 2007)

Alguien tenía que decirlo. Quienes iban a ser si no. Felices Reyes.

Smoke

2011-01-04T19:49:00.003Z

Smoke (Wayne Wang, 1995)

El humo, que por motivos obvios, me tiene tan preocupado estos días de mi vida, ha sido uno de los elementos cinematográficos por antonomasia. El séptimo arte está lleno de colillas incriminatorias, clubes irrespirables y es imposible imaginarse el cine negro sin que vengan a la cabeza imágenes de claroscuros enmarcados por humo. Pero si alguna vez se pretendió hacer un homenaje al fumar (y no al tabaco, que no es lo mismo) nunca salió mejor que el que, involuntariamente o no, le dedica Smoke.

En una era encaminada a la individualidad, Auster se basa en un relato propio para presentarnos un canto a la humanidad personificado en los a priori desgraciados seres que frecuentan un estanco de barrio.
Seres que piensan, sienten y padecen y que, alrededor del tabaco, se cuentan sus vidas y se ayudan en ellas. Seres sencillos, perdidos en el mundo que empiezan a encontrar su espacio de mano de otros seres alrededor de un hábito tan denostado como tradicional.
Aunque es cierto que lo de menos en las historias que nos cuenta Auster es precisamente el emplazamiento, reconozcamoslo. Hubiera dado exactamente igual si se hubiera desarrollado en una cafetería y alrededor del café (pernicioso por otra parte) o de unas cervezas (lo malo que es el alcohol), lo importante tiene que ver con el milagro que se produce no ya en la vida de estos parias que comienzan a ver la luz, sino en la del espectador que asiste atónito al optimismo que se va desplegando en su interior a medida que contempla los retazos de la existencia de estos atormentados seres.

Todo ello gracias a una dirección, la de Wang, comedida y justa, que logra enseñarnos de la mejor forma que podemos imaginarnos lo que Auster tenía en la cabeza.
Un trozo de vida, aunque parezca mentira, alrededor del tabaco. ¿Quién lo iba a pensar?

Adios 2010

2010-12-31T13:07:00.002Z

Ni recuerdo, ni quiero recordar, si hice propósitos para este año, pero da lo mismo. Lo único que me propongo en 2011 es decidir qué hago con este blog para así liberarme o quedar encadenado para siempre.
El 2010 acaba y con él un año fatídico para la mayoría de la gente que conozco y peor aún para el cine, la literatura y la humanidad en general.
Efectivamente, no las tengo todas conmigo y la venida del nuevo año me da más miedito que otra cosa. Pero para intentar compensarlo, dejaremos hoy para todos ustedes la versión buena de Tu vuo fa L'Americano, y no ese horror remezclado en aras de la "modelnidad" que llevamos escuchando en todas partes durante todo el año.
En este caso, la que hizo Adriano Celentano y que puso banda sonora a uno de los mejores momentos de esa película inmerecidamente olvidada que se llamó The Talented Mr. Ripley.
Porque a lo mejor es verdad que cualquier tiempo pasado fue mejor.

Recomendación navideña: A Serbian Film

2010-12-24T11:10:00.002Z

A Serbian Film (Srdjan Spasojevic, 2010)

Me llena de odgullo y zatizfacción reencontrarme con mis compañeros bloguedos en eztaz fechaz tan zeñaladas y, como no podía ser de otra forma en este blog, aprovecharemos para hablar, no mucho, de la que probablemente haya sido la película más comentada de los últimos tiempos, empezando por un paso por Sitges que provocó protestas de todo tipo de asociaciones.
La visualización de A Serbian Film es una de esas raras ocasiones en que se hace necesario diferenciar claramente contenido y continente, y además no es demasiado difícil.
Esta película es, ante todo, un cuento de terror. Pero de un terror mucho más profundo del que pueden producir sustos, sangre y vísceras. Es una película aterradora en su fondo porque de lo que habla durante todo su metraje es de la conversión del mundo en pleno siglo XXI (me temo que, por más que el ejemplo se refiera a Serbia, desgraciadamente podemos hacerlo extensible a toda la supuesta civilización humana) en Estado feudal de algo tan superfluo como el dinero y el dueño de ese dinero.
Habla A Serbian Film de un mundo, al que no nos dirigimos, sino en el que vivimos, en el que "el que tiene el dinero hace las reglas" y que, por simple acuerdo económico, el llamémosle "empleador" tiene derecho a hacer todo lo que desee para los fines que desee con el "empleado".
Y cuando decimos "todo" nos referimos a las conductas más depravadas y abyectas que jamás he podido ver en una pantalla en una búsqueda desesperada de encontrar la excitación que el poder del dinero no puede dar, usando para ello los recursos que se hagan necesarios sin escatimar en drogas, coacciones, amenazas...
Se puede ver también, porque lo permite, como ese camino al que va conduciendo la actual filosofía seudo-hedonista (si los hedonistas de verdad nos vieran renegarían de nosotros) que parece gobernar la cultura en la que vivimos y en la que la búsqueda del placer cuando ya los antiguos métodos que lo generaban dejan de proporcionar el suficiente por rutinarios, llevan a esos caminos de traspasar sistemáticamente todos los límites de la moral y la ética, y de la inmunidad que poseen los que pagan por ello (teniendo que expiar las culpas el que no dispone de esa cobertura).
Campo abonado para la disquisición acerca de la caída en picado de lo que hace al ser humano ser diferente del resto de animales, el pensamiento, y la conversión actual en animales que se guían casi exclusivamente por los instintos (sexuales y agresivos, aun cuando estos consistan en la humillación y destrucción del prójimo como método de placer propio), A Serbian Film sin embargo falla, y estrepitosamente, en las formas.

Y no me refiero sólo al exceso sexual, de sangre, vísceras y violencia que parece haber sido la base última de la mayor parte de las críticas, me refiero a los personajes planos, a la planificación efectista, a la falta absoluta de ritmo narrativo que hace que nos aburramos como ostras hasta los tremebundos veinte minutos finales, a la reducción de todo el posible dramatismo al repaso último de lo acontecido en la vida del protagonista hasta que despierta en su cama manchado de sangre.
Pero si hay que reconocer que si hay algo que lastra la película de verdad es precisamente ese exceso de explicitud, y no sólo porque la visión de semejantes atrocidades puedan dar náuseas hasta al más curado de espantos, sino porque merma su capacidad de difusión y tiende a dejar todo el debate, como así parece que ocurrió durante su exhibición en Sitges, a los límites que a los que el cine no pornográfico puede llegar. Y créanme, esta película tiene mucha más tela que cortar que Saw VI... pero mucha más.
Y si no me creen, vean sola la última escena, que no revelaré aquí, la mejor de toda la cinta con mucho. Sin enseñar absolutamente nada y con sólo una frase produce más escalofríos que todo el resto de la cinta. Ni el mejor Haneke podría haberlo hecho mejor.

Eso sí, si alguien no quiere que lo vuelvan a invitar a comidas en navidad con la familia, no se me ocurre mejor forma que haciendo que hasta la abuela la vea. Pruébenlo y luego me cuentan.

Texto de la semana

2010-12-13T10:38:00.001Z

Sonrió al cielo terso. Con un poco de esfuerzo podría levantarse sola.

Paolo Giordano. La soledad de los números primos.

2010-11-22T18:14:00.002Z

Hippies. Están por todas partes. Dicen que quieren salvar la Tierra, pero lo único que hacen es fumar maría y oler mal. ¡Odio a los hippies!

Eric Cartman, aproximadamente un millón de veces en South Park.

Americanos

2010-11-20T17:19:00.002Z

Americanos (El combo linga)

Yo al menos continúo en duelo (y creo que irá para largo), y me he acordado mucho de esta estupenda versión del Americanos que, cantado por Lolita Sevilla, resumía el ingenuo planteamiento de los habitantes de Villar del Río previo a la visita del amigo del otro lado del Atlántico. Ahí la dejo.

Frase de la semana

2010-11-15T18:00:00.001Z

El silencio no deja de ser una adornada forma de falsificar la historia.

Santiago Tarín, Viaje por las mentiras de la Historia.

Los jueves, milagro

2010-11-14T16:10:00.004Z

Los jueves, milagro (Luis García Berlanga, 1957)

Ayer nos dejaba, en un año que se está cebando con los grandes, uno de los dos mejores directores españoles de todos los tiempos, el otro D. Luis.
Sirva este post como homenaje al mejor de los cronistas de la sociedad de la dictadura franquista y la transición, figura tan discreta como preclara y que supo, como nadie, que una retirada a tiempo es una victoria.
Será recordado por tener en su haber la gran mayoría de las obras maestras que el cine español dió en la década de los cincuenta y los sesenta, entre las que se encuentra la película señalada en la cabecera, la historia del pueblo que, harto de pesadumbres y pobreza, decide inventarse un milagro para atraer el turismo.
De ella se puede decir lo mismo que de Plácido, que de Bienvenido Mr. Marshall, que de El verdugo (de todas ellas hemos hablado aquí, y muy bien)... es lo que tenía el cine de Berlanga, que por más sainete que pareciera era mucha verdad, y muy amarga.

Escasas palabras de recuerdo para alguien que merece un reconocimiento mucho mayor. Si existiera la justicia, la Menestra debería hacerlo y dejarse de las descarguitas... pero en este país, y eso también lo sabía Berlanga, no somos muy de agradecer ni de reconocer méritos ajenos.
Por lo que a mi respecta, muchas gracias, Don Luis, muchas gracias. Hace tiempo que lo estamos echando de menos.

The last race

2010-11-13T11:38:00.002Z

The last race (Jack Nitzsche, Deathproof OST)

Soy consciente de lo abandonado que tengo el blog a pesar de haber terminado el infierno. Pero como vuelvo a ser universitario y voy atrasado, algo tenía que sacrificar. Intentaré remendarlo, aunque no aseguro nada, comenzando por incluir la canción que abría la última película que me apasionó de Tarantino, un magnífico corte que he estado escuchando y reescuchando toda la semana.

Texto de la semana

2010-11-08T17:22:00.002Z

Antonio le había rogado que le sostuviera por un instante aquel fajo de billetes de banco. Poco después, cuando Antonio le pidió que se lo devolviese, se le ocurrió la idea de que lo separaba muy poco de la propiedad absoluta de aquel fajo: la vida de Antonio.

Italo Svevo, El asesinato de Vía Belpoggio.

Machete

2010-11-02T13:36:00.000Z

Machete (Ethan Maniquis, Robert Rodríguez, 2010)

Lo más interesante de Machete quizá sea su concepción. Nació como un falso trailer al inicio de Planet Terror, posiblemente lo mejor de una cinta que tenía bastantes momentos buenos, y comenzó a convertirse en una leyenda años antes de la concepción y realización de la película.
La única figura que se repetía es la de Dani Trejo, el Machete de uno y otro, especie de superhéroe inanimado (sólo hay que verle la cara todo el metraje) cuya lucha inicial contra la corrupción de su país terminará con él emigrado a Estados Unidos y luchando como todo ilegal por sus papeles.
Dentro del circo seudogore que Rodríguez y Maniquis nos ofrecen, un circo tan innecesario como divertido, se pueden ver muchas cosas interesantes, no obstante. Gracias entre otras cosas a contar con estrellas como Robert de Niro y Steven Seagal (si, según para qué Seagal es una estrella), la inefable Lindsay Lohan o Jessica Alba (que repite con Rodríguez tras Sin City), que cumplen perfectamente con su función de ridiculización de roles que el libreto pretendía, consiguiendo una radiografía del racismo contra los mejicanos que dudamos mucho haya servido para congraciarlos con el público estadounidense.

Claro que para ello primero se tienen que dar cuenta de lo que les están contando, y ahí es donde van a terner más problemas entre tanto fuego de artificio. Porque el guión, más allá de la locura de sus premisas roza lo patético en las conversaciones, es, como toda la película, demasiado largo y demasiado anecdótico, y no da oportunidades para el lucimiento a nadie. Cosa por la que nadie en su más mínimo juicio vería más allá del despampanante artefacto visual que esconde esa visión no demasiado optimista de la extranjería en Estados Unidos.
Pero tenerlo, lo tiene. Otra cosa es que para contener tan poco se necesite un juguete tan grande, un juguete tan enrevesado en el vacío y tan alargado innecesariamente. Eso lo tendrán que juzgar los fans, entre los que desafortunadamente me encuentro.

Texto de la semana

2010-11-01T11:47:00.001Z

El psicoanálisis, de acuerdo con el estudio de Potters, es un proceso psicológico dinámico que involucra a dos personas: un paciente y un psicoanalista. Durante este proceso, el paciente insiste en que el analista está por encima, mientras intenta desesperadamente colocarlo por debajo, y por su parte, el analista insiste en que el paciente permanezca por debajo para ayudarle a que aprenda a colocarse por encima. El objetivo de la relación es la separación amistosa del analista y el paciente.

Jay Haley en El arte del psicoanálisis (Las tácticas de poder de Jesucristo y otros ensayos).

Aburrida de estar salida

2010-10-30T12:42:00.003+01:00

Aburrida de estar salida (L-Kan, Discazo)

Ni se si la he puesto antes, ni me importa. Terminé el "Ejercicio de Oposición" y todavía estoy de resaca que durará hasta que tenga que presentar papeles. Échense unas risas, seres humanos variados que han seguido visitando esta página, incluso más que cuando escribo (lo se, es muy triste).

Cerrado por oposición

2010-09-27T19:27:00.003+01:00

Me ha costado decidirme, pero es verdad que cada vez que hago algo que no sea estudiar, viene a verme La Culpa, esa que cantaba Astrud, y la angustia me come, así en general.
Con lo que hasta que tengamos fecha de examen (llevamos cuatro años y medio con el anuncio, yo creo que ya va siendo hora) estaré subrayando páginas de manuales como si me fuera la vida en ello y dejaremos de lado el cine, la televisión, la música, los amigos, la vida...
¿Quién coño quiere unas oposiciones?
Agradezco la compasión, por cierto.

Frase de la semana

2010-09-20T17:47:00.002+01:00

¿Qué cojones es esto, El piano? ¿Por qué coño no habla esta tía?

Jay (sin Bob el Silencioso) en Dogma.

Destrozando a... Un paseo por las nubes

2010-09-16T20:14:00.003+01:00

Un paseo por las nubes (Alfonso Arau, 1994)

Serán las que pueblan los cielos de mi ciudad (y hace que tengamos probablemente el día más caluroso y/o bochornoso del año), pero ha sido acordarme de nubes y de películas que deberían haber sido destrozadas por las tormentas que traían... y cuál mejor que esta novelita rosa que supuso la primera experiencia norteamericana de Aitana Sánchez-Gijón... eso sí, al lado de el hombre de cera, que no es otro que Keanu Reeves.
El artífice de semejante pastelazo fue Alfonso Arau, que como había dirigido años antes una versión medianamente decente de una novela de su entonces mujer (no se cuál será su estado civil actual), otro experimento corintelladesco algo menos anquilosado llamado Como agua para chocolate, se creyó capaz de volver a repetir suerte.
Así que cogió el guión de Leyendas de Pasión (también de ese año, si es que fue grande, grande), Lo que el viento se llevó (o quizá ese otro llamado Scarlett), la misma Como agua para chocolate, todas las de mi querido Gere... y sacó lo peor de cada una de ellas para que nos aburriéramos como ostras y Aitana nunca volviera a trabajar en Hollywood.
Reeves, como es de cera, vale lo mismo para un roto que para un descosido, así que lo colocaron en Matrix y le fue bien.
Arau está en paradero desconocido para mi. Y mejor que siga allí mucho tiempo.

Parks and recreation

2010-09-13T19:41:00.006+01:00

Parks and Recreation (NBC)

Si les parece que vamos a hacer una recopilación de lo que el mockumentary ha dado de si... pues si, al menos lo parece.
Y vamos con una de las últimas adquisiciones para un género que en general no hace otra cosa que darnos alegrías a los amantes de la comedia.
Planteada como un spin-off de The Office (versión yanqui) que no es tal, Parks and Recreation es sin embargo el reverso oficial de La oficina, entendiendo como tal el que, efectivamente, se sitúa en la gestión y funcionamiento de una entidad, en este caso gubernamental.
Entre los personajes que pueblan el funcionariado del pequeño pueblo de Pawnee (donde curiosamente el ayuntamiento es mayor que el de cualquier ciudad media española) destaca, con mucho, la sin par Leslie Knope, interpretada con maestría por Amy Poehler, también productora ejecutiva de la serie.
Siendo la segunda de a bordo del Departamento de Parques y Actividades recreativas del ayuntamiento, la cámara se dirige a ella por ser una rara avis dentro de toda la burocracia.
A Leslie le apasiona su trabajo y se entrega a él con diligencia y excesivo entusiasmo, tanto que la primera vez que la observamos está realizando una encuesta a niños de parvulario para dilucidar la opinión de la "ciudadanía" sobre los juegos de uno de los parques que ha construido su gobierno.
El destino de un solar deshabitado será tomado por la Knope como su caballo de batalla contra las injusticias, planificando un parque que nadie ha pedido pero que ella considera necesario para "el pueblo" y para su carrera política.
Fotos de Janet Reno y Hillary Clinton presiden el despacho compartido de esta defensora del sistema que, llegado el momento y gracias a su amistad con Ann Perkins (Rashida Jones), inquilina de una vivienda cercana al solar de marras que pone la primera piedra de la fantasía del parque de Leslie, se dará cuenta de que no tiene vida personal real y hará lo posible para remediarlo.
Leslie no nos cae bien desde el primer momento. Es irracional, terca, agresiva en sus luchas (sus argumentos para convencer a las madres que se oponen a su proyecto carecen de cualquier tipo de ética y, por tanto, son descacharrantes) y vive ajena a la realidad del mundo laboral que la rodea: nadie, excepto ella, cree que en los políticos ni los gobiernos, incluidos sus jefes y sus colaboradores que, también desde el primer momento, se nos hacen mucho más identificables.
El ridículo continuo de Leslie y las tomaduras de pelo que sufre por parte del antiseductor y holgazán Tom, del sabihondo Mark (y su no relación amorosa años atrás), la ¿emo? April (y su relación triangular con su novio bisexual y el novio gay de este) y, sobre todo, su jefe Ron, un republicano que entiende que la mejor forma que tendría un gobierno sería dinamitándolo, no hacen más que conseguir que poco a poco, le vayamos cogiendo cariño a una señora que, pese a las formas, es la única que lucha por un futuro mejor.

Tras una primera temporada de tan sólo seis episodios algo dubitativa y más seria de lo deseable, la continuación en forma de segunda temporada completa logró que la serie subiera enteros en cuanto a su conformación como sátira y como ridiculización tirando a salvaje del panorama político estadounidense y casi que mundial, no sólo centrado en los políticos, también en los votantes que se nos presentan como egocéntricos meapilas que, como dice Ron, tienen demasiado tiempo para preocuparse de tonterías.
Además sirvió para la incorporación a la serie con todas las de la ley del bobalicón Andy, ex-novio de Ann y objeto de deseo de April, grandísimo payaso del show en el que además brillan con luz propia unos secundarios excelentes.
Una gran apuesta que no sabemos si durará mucho más (la tercera temporada está renovada, pero sólo la dejaron en media), por lo que habrá que aprovecharla.

Frase de la semana

2010-09-13T16:19:00.003+01:00

No soy idiota. Se que Tom pierde a propósito, pero me cae bien. No trabaja mucho, no muestra ninguna iniciativa, no sabe trabajar en equipo, nunca hace un esfuerzo... Tom es exactamente lo que busco en un empleado del gobierno.

Ron en Parks and Recreation.

Es una lata el trabajar

2010-09-11T14:21:00.003+01:00

Es una lata el trabajar (Luis Aguilé)

¡Ay, Don Luis, cuánta razón tenía!

Destrozando a... Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

2010-09-09T19:57:00.004+01:00

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Steven Spielberg, 2008)

Aunque bien podría haber sido The last crusade, que fue el primer paso que dio Spielberg para destrozar una saga de entretenimiento ejemplar. Claro que The last crusade era, al menos, mediocre.
El reino de la calavera de cristal es una bazofia de marca mayor donde, además de su edulcoramiento habitual (final incluido) parece que Spielberg se ha olvidado de rodar acción y ha preferido realizar una caricatura de su otrora héroe, ya en horas bajas, pero que extiende a todo el planteamiento y estructura de lo que se hace llamar película.
La mala malísima, encarnado con un sano sentido del ridículo por Cate Blanchett, es con mucho lo único medianamente salvable de la cinta, aunque el bochorno es máximo en una de sus escenas de lucimiento, justo la de los extraterrestres... Estebitan, por dior...

Atrápame si puedes

2010-09-08T20:32:00.003+01:00

Atrápame si puedes (Steven Spielberg, 2002)

No pensaba hablar de ella, pero dado que ayer decidí que esta sería la semana Spielberg, aprovecharemos que la vi hace poco para, me temo, repetirme en parte con lo que dije ayer.
Porque por más que Spielberg consiga, que lo hace, realizar una película mucho más madura de lo que es habitual en él, sigue cagándola donde siempre, en un final edulcorado hasta la médula que casi logra deshacer el encanto de todo lo que nos ha contado antes.
Un final basado en la redención de un tipo que logró estafar a todo el sistema bancario, no sólo estadounidense, y que es, con mucho, la parte menos interesante de lo que nos está contando.
Sin embargo, si somos capaces de abstraernos de la moralina recalcitrante pro-capitalista, por muy vergonzosa que resulte, lo que nos ha emocionado previamente sigue manteniéndose.
Y es que un chico de dieciseis años que ve como la fachada de la felicidad familiar se le ha ido descascarillando hasta hacerse pedazos se dedique, precisamente, a impostarse dentro de los papeles más descabellados, como metáfora de la propia mentira que ha envuelto su vida, podría irse de madre en manos de alguien más efectista.
Pero la corrección habitual de Spielberg potencia esa historia, real, que en tono casi cómico nos narra las peripecias del que busca la felicidad real valiéndose de engaños y sólo consiguiendo una amistad más o menos duradera con su perseguidor, el único anclaje al mundo que él mismo no se ha inventado.
El retrato de la estupidez humana, capaz de cambiar de idea simplemente por un traje (de piloto de Pan Am, desde luego), capaz de confundir ignorancia con sabiduría o capaz de no darse cuenta de una confesión a tiempo con tal de tener enfrente a quién ellos desean tener, es otra pieza más de ese puzzle falso que el estafador compone con demasiada poca astucia para no ser cazado.

Y aún así logra escapar una y otra vez y se deja capturar de la forma más absurda, quizá para huir de esa farsa que parece necesitar para salir de su incómoda realidad, pero que no termina de darle eso que durante tanto tiempo ha ido buscando.
Quizá porque todos nos hacemos mayores y necesitamos anclarnos a algo real, aunque sea al peor de nuestros enemigos.
Quizá porque nuestros enemigos nunca lo fueron tanto.

La guerra de los mundos

2010-09-07T21:04:00.004+01:00

La guerra de los mundos (Steven Spielberg, 2005)

Me acabo de dar cuenta, justo cuando comenzaba este post, que sin haberlo pensado mucho al final le voy a dedicar casi la mitad de la semana al tito Esteban. Así que, pensándolo bien, la redondearemos y tendremos el honor de asistir a todo un homenaje al Rey Midas de Hollywood, empezando por ayer, que podemos tomar como un claro ejemplo de lo que el dinero le hizo al talento (frase de la semana) y de cómo se puede ser emocionante sin llegar a empalagar (Modern Family), cosa esta última que este señor no termina de tener claro.

Empezaremos hablando de War of the Worlds precisamente por eso, por el hecho de que Spielberg es totalmente incapaz de no intentar aleccionar como si fuéramos imbéciles acerca de valores morales no ya caducos, sino basados en la ñoñería.
Aquí es donde naufraga [como en Schindler's list, como en Catch me if you can... como casi siempre, vamos] este proyecto de Spielberg, que no puede presentar dramatismo real (sino basado en tópicos), no puede denunciar de forma profunda y no puede dejar de meter niños insoportables a los que dan ganas de acuchillar en cuanto empiezan a chillar. Porque a los niños hay que quererlos, debe pensar él.
Afortunadamente para él mismo, la novela en la que se basa da al guionista suficientes recursos para hacer una aproximación adulta a un ataque alienígena a gran escala y mostrar la crueldad del hombre en los momentos de desesperación, cosa que Spielberg usa para hacer lo que mejor sabe hacer, espectáculo.

Realmente trepidante e incluso terrorífica en algunos momentos, War of the Worlds es una innecesaria, pero entretenida, versión de la novela y película homónimas que funciona magníficamente bien cuando se trata simplemente de contar lo que ocurre.
El resto cae por su propio peso.

Modern Family

2010-09-06T19:20:00.004+01:00

Modern Family (ABC, 2009-...)

No sabemos por qué, pero los premios Emmy, los más importantes galardones de la televisión norteamericana, asemejados en categoría a sus primos del cine (esos que no podemos nombrar so pena de que nos pidan que paguemos el copyright) dan la impresión de ser siempre mucho más justos.
La gran triunfadora de este año, junto con la omnipresente Mad Men, es una pequeña comedia en tono mockumentaroide que ha ido calando poco a poco en todos los que la conocimos hasta hacerse imprescindible.
Mucho más blanca en apariencia que casi todas sus hermanas de género, Modern Family narra las andanzas de una familia (los Pritchett y sus ramificaciones) que cumple todos los requisitos para entrar dentro del molde de las nuevas entidades familiares.
La parte tradicional la llevan el bobalicón Phil y la redimida Claire Dunphy junto con sus tres hijos (la guapa y tonta, la lista y no tan guapa y el más tonto).
La parte más rancia la lleva el patriarca Jay, casado en segundas nupcias con la colombiana y visceral Gloria y el romántico y pasado Many, hijo de esta y de un delincuente que siempre se nos dibuja como mafioso.
Y la parte más moderna y revolucionaria la llevan el reprimido Mitchell y la loca Cameron, pareja gay que convierte su vida en la más típica fantasía heterosexual al adoptar a una niña vietnamita.

La parte más sutil se la llevan los guionistas que, sin preocuparse de mayores, diseccionan minuciosamente y casi sin que se note los arquetipos, tópicos y preocupaciones de las nuevas relaciones interfamiliares de forma tan realista que miedo da el poder observar en qué se está convirtiendo la "piedra angular de la sociedad occidental".
Mentiras piadosas dichas por bocas que se cierran en cuanto se escuchan, padres que no saben serlo, hijos que los manipulan como si fueran imbéciles (Phil lo es, desde luego), prejuicios que solo tienen los que se sienten víctimas de ellos, buenos sentimientos que esconden frustraciones personales, persecuciones que se basan en la propia conciencia del perseguidor, y toda la mierda que cabe encontrar en una familia en la que todo se habla y se discute como si todos tuvieran voz y voto igualitario, que Modern family consigue rescatar de la quema mediante aspectos tan estupendos y tan pasados de moda como el cariño, base angular, eso si, de los sacrificios y menesteres que supone mantener a tanta gente distinta unida.
Y eso que como el patriarca Jay tenemos a Ed O'Neill, que pasará a la historia como ese zafio, maleducado y encantador padre de esa grandísima serie que fue Matrimonio con hijos, y que aquí se convierte en un malhumorado y mentiroso hombre casado con una mujer mucho más joven y diferente (colombiana, de hecho) que intenta acercarse al mundo de sus hijos con menos tacto y dedicación de la que debería, pero con más interés del que le presuponen.
El resto del reparto tampoco tiene desperdicio y la hilaridad que provocan ellos mismos y sus vidas menos aún.
Si quieren comprobarlo y les pesa la conciencia con las descargas, Antena 3 mediante su filial Neox sin que necesariamente sirva de precedente (aunque esperamos que si) la emite desde la semana pasada, todos los lunes a las diez de la noche (nueve en Canarias).
Ahora, que si no vieron el primer capítulo no puedo más que recomendarles que lo recuperen y aprecien cuanta belleza, cuanta sutileza y cuanta mala baba contiene la escena de la pizarra de los eventos de la familia Dunphy. No quiero decir más.

Frase de la semana

2010-09-06T10:39:00.000+01:00

De estos dos destinos elige tú uno de los dos: salva pues, a tu hijo, o a la ciudad.

Tiresias a Creonte en Las Fenicias (Eurípides)

Fahrenheit 451

2010-09-04T17:48:00.002+01:00

Fahrenheit 451 (Ivan Ferreiro, Picnic Extraterrestre, 2010)

Después del tropiezo de Mentiroso, mentiroso, Iván Ferreiro vuelve a llegar a cotas excepcionales con su nuevo disco, este Picnic Extraterrestre al que estamos encantados de acudir.

Destrozando a... Fahrenheit 9/11

2010-09-02T18:27:00.001+01:00

Fahrenheit 9/11 (II) (Michael Moore, 2004)

De sobra se sabe en el mundo del cine que las buenas intenciones no lo son todo, pero en los documentales deberían ser lo de menos ante la realidad completa de lo que se quiera contar.
Pero Michael Moore no está de acuerdo y además, confunde deliberadamente las buenas intenciones con el populismo que, justamente, coincide con las tesis de las que él se apropia y aprovecha.
Fahrenheit 9/11 es un documental que podrá ser (y eso es lo que más se sigue leyendo de él) totalmente necesario a fin de exponer las teorías conspiratorias que justificarían la todavía inconclusa Guerra de Irak, pero, bajo su supuesta veracidad, no encontramos en él más allá de un panfleto tendencioso contra George W. Bush y el Partido Republicano estadounidense.
Que el objeto de ataque sea digno de masacre no justifica en modo alguno la lectura parcial que Moore realiza sobre lo acaecido respecto a las relaciones de la familia Bush con los distintos imperios petrolíferos de Oriente Medio, pero se hubiera agradecido además una visión más compleja que la pobre que nos da Moore sobre la gestación de los ataques norteamericanos, si es que era eso lo que se pretendía.
Claro que para ello lo primero que habría que haber hecho es una planificación clara acerca de lo que se quería contar para apoyar las hipótesis esgrimidas, cosa que al orondo director no le pareció y quiso, sin embargo, enlazar un montón de datos sobre muchísima gente y muchas actividades que, al final, no sabemos muy bien adonde conducían.
Porque realmente Fahrenheit 9/11 no es un documental que explique la gran caída de Occidente en aras del neoliberalismo más agresivo, como se publicitó en su momento. El gran error de Fahrenheit 9/11 es que no se centra en nada y no llega a ninguna conclusión más allá de la que el señor Moore, con mucho el gran protagonista de este circo, tenía previamente instalada en su cabeza y que parece tener relación con el aniquilamiento de la familia Bush y todos sus amiguitos (muchos y poderosos).
Y precisamente de esa guerra habla Fahrenheit 9/11, no de ninguna otra. De la de dos dictadores (uno, el director, mucho más listo que el otro) que manipulan y tergiversan para conseguir transmitir a su audiencia la sensación de que ellos, y solo ellos, tienen razón.

Fahrenheit 9/11

2010-09-01T19:16:00.003+01:00

Fahrenheit 9/11 (I) (Michael Moore, 2004)

De un título como el documental con el que el señor Moore ganó la Palma de Oro en Cannes (no se lo que habría compitiendo, pero no parecía que lo mereciera realmente) se pueden dar dos visiones totalmente opuestas, así que sin que sirva de precedente así será.
Hoy tocará la versión basada en la simpatía.
Fahrenheit 9/11 es, ante todo, una película que tiende a caer bien. Lo hace por motivos más bien extracinematográficos y, ante todo, europeos, y basados en la repulsa que en el viejo continente se proclamó a nivel popular respecto a la invasión norteamericana de Irak.
Es por ello que nos deleitamos con todas las pruebas que Moore va trayendo al hilo de un montaje muy bien estructurado y que no hacen más que subrayar la idea de que la política estadounidense (y de todos los países occidentales en general) está basada en intereses que, casi nunca, tienen que ver con el pueblo que elige a los políticos que manejan esas decisiones.
Lo hace además a través de la figura de George W. Bush, que pasará a la historia como uno de los mandatarios más odiados por sus conciudadanos (y ya no digamos por los extranjeros) con permiso de Ansar y Zapatitos.
Moore es capaz incluso de hacernos pasar un buen rato gracias, además de al montaje, a una serie de entrevistas divertidísimas en las que demuestra su capacidad para diseccionar personajes en pocas palabras y llevarlos a su terreno para masacrarlos sin que se den cuenta, y que dan, con mucho, las mejores bazas de una cinta que además emociona sin llegar a la sensiblería cuando empieza a mostrar las historias de los combatientes y sus familias.
Y ahí es donde se puede reconocer el buen trabajo de Moore, porque por lo demás...

(continuará mañana).

Frase de la semana

2010-08-30T12:02:00.000+01:00

¿Sabe que nueve de cada diez consumidores de metaanfetamina dijeron lo mismo que usted?

Leslie Knope en Parks & Recreation.

Femme fatale

2010-08-28T11:46:00.002+01:00

Femme fatale (The velvet underground & Nico, The velvet underground, 1967)

A la cabeza Lou Reed y en la producción Andy Warhol. Así comenzaba su andadura The Velvet Underground mediante un disco de estupendas canciones que contenía esta belleza que ha sido motivo de versiones múltiples y que va ya camino de los cincuenta años. Quedará en el recuerdo hasta mucho después, me temo.

Destrozando a... La poca vergüenza de James Cameron.

2010-08-26T20:26:00.003+01:00

James Cameron (director de cine reconvertido en engañabobos)

Este fin de semana se reestrena en USA Pocahontas in outer space, y para mediados de septiembre se espera el estreno en España. Si, han leído bien los que todavía no se habían enterado (pueden leerlo aquí, aquí, aquí o en muchas otras páginas que salen en google).
Con sólo un año de diferencia y habiendo pasado por todo tipo de cajas, Cameron y la Fox han decidido que tenían que hacer una versión EXTENDIDA (si, han leído bien también esto) del coñazo de tres horas por el que lo apalizaron en los premios del copyright.
La versión extendida ayudará a entender los misterios de Pandora durante 8 MINUTOS MÁS. Sí, también han leído bien eso, extendida quiere decir ocho minutos.
Por si el timo no fuera suficiente, lo venden como si del descubrimiento de la pólvora se tratara y lo peor de todo es que todavía quedará algún imbécil que vaya a pagar diez o doce euros por ver otra vez lo mismo con algún remache...
Bueno, lo peor no es eso, lo peor es que anuncia versión en 3D de la del barco para cuando se cumpla el centenario del hundimiento, a pesar de haber despotricado lo más grande contra Clash of Titans, por ejemplo, por no haberse rodado específicamente en tres dimensiones (si eso fuera lo grave...).
Claro que como él se considera el padre del invento, puede hacer lo que le de la gana, ¿no es verdad, señor Cameron?

Ratatouille

2010-08-24T21:38:00.003+01:00

Ratatouille (Brad Bird, 2007)

Ante el estreno de la tercera parte de Toy Story e invadido por la fascinación que me causaron las estupendas Up y, sobre todo, Wall-E mucho después de su estreno, me decidí a recorrer los pocos universos surgidos de la factoría Pixar que aún no conocía como medida de estimulación para poder salir de casa e ir, por fin, al cine. El por qué parece que ya estoy esperando que salga el DVD de Toy Story es una historia que, como todos los veranos, el calor justificará.
Pero si que ha servido para algo el empacho animatorio, y es que he descubierto que ante la propuesta menos apetecible de la compañía americana se escondía, sin embargo, una de sus películas más maduras e interesantes.
Ratatouille es, como todo en Pixar, simple en apariencia en las formas, lineal en el desarrollo (planteamiento, nudo y desenlace) pero profunda en los contenidos. Comentabamos el otro día unos amigos que, por fin, se ha logrado hacer cine familiar de verdad de mano de este estudio. Porque si los niños se ríen y hasta se emocionan (sobre todo se divierten) viendo las andanzas de Remy y sus desventuras a la carrera, los adultos que intentamos mirar un poco más allá (que cada día que pasa me parece que somos menos) vemos que detrás del despliegue técnico y del producto de entretenimiento se nos habla de muchas más cosas, empezando por el tópico típico de que lo de que "cada mochuelo a su olivo" por más que forme parte del refranero, no necesariamente tiene que ser verdad.
Así una rata asquerosa (que si, que cae simpática, pero de aspecto da mucha cosica) se convierte para deleite de todo Paris en la revolución culinaria de la ciudad sin que nadie lo sospeche, ayudado por la suerte y por un mequetrefe al que esta le sonríe un poco más de lo que se merece.

Y mientras va sucediendo asistimos al espectáculo de las apariencias, del snobismo, de la categorización, de los inspectores de Sanidad que cierran comercios aunque las ratas que preparan la cocina se hayan aseado en el lavavajillas, de críticos envidiosos que quieren lapidar a sus criticados, de futilidad y de la imbecilidad de buscar lo innovador como leit motiv único de la creación.
De como un plato tradicional bien hecho puede seducir, y seduce, mucho más que la pretendida y buscada vanguardia. De cómo una película al final es dirección, guión y actores (en este caso animados), por más que algún experimento sea bienvenido... pero la experimentación por la experimentación...

Arrested Development

2010-08-23T20:11:00.005+01:00

Arrested Development (FOX, 2003-2006)

¿Que voy a decir yo ahora que no dijera Josito en mayo? Pues absolutamente nada, miren ustedes. De hecho tan poco voy a decir que no esté en este magnífico artículo que incluso me he tomado la libertad de robarle las fotos. Pero como algo tendré que hacer para que no me acusen de vagancia, resumiré en un par de cositas mis impresiones propias.

Arrested Development, monumento televisivo a la comedia, fue una desafortunadamente desaparecida (y por tanto, de culto a estas alturas) sitcom que jugaba con la baza del falso documental.
A diferencia de los mockumentarys, sin embargo, Arrested Development transgredía los límites metalingüísticos y, salvo puntuales atisbos que dejaban entrever la posibilidad de que todo lo que sucediera fuera grabado en vivo, se situaba precisamente en la trama final, sólo apuntada, de la traslación de la historia de los Bluth a la televisión.
Y es en el preciso instante en que nos damos cuenta de lo chirriante del supuesto documental, más o menos a los cinco minutos del inicio, cuando Arrested Development se perfila como la sátira corrosiva que realmente es.

Porque Arrested Development arremete contra todo y contra todos mientras narra historias deliberadamente exageradas, basadas en la reducción al absurdo, respecto a una familia de la que nadie en su sano juicio querría ser miembro y de la que Michael Bluth (Jason Bateman), cabeza responsable y seudohonesta de la misma, no puede escapar aun queriendo.
En base a unos guiones como poco inteligentes, Arrested Development decapita al sistema económico americano, al gobierno de los Estados Unidos (incluida la guerra de Irak), al consumismo, a las apariencias, al estilo de vida de los ricos, a la familia y sus dinámicas, a las esperanzas vanas, a la moral conocida, a las series de televisión, a las productoras de cine... de forma totalmente insalvable pero con suficiente sentido del humor para no poder ser criticada por el objeto de sus burlas.
Como no podía ser de otra forma, su cancelación llegó antes de tiempo y tras solo tres temporadas en antena. Pero qué tres temporadas, señores.

Texto de la semana

2010-08-23T18:50:00.001+01:00

Aprendería a ser feliz de otra manera, porque ella también había llegado a odiar.

Amudena Grandes, El corazón helado (enorme tostón, por otra parte).

Resacón en Las Vegas

2010-08-18T20:51:00.003+01:00

Resacón en Las Vegas (The Hangover, Todd Philips,2009)

Todo el mundo tiene sus debilidades, hasta los más cultivados. Es por eso que cuando empecé a leer reseñas de The Hangover escritas por gente con mucho criterio que ensalzaban las virtudes de una película cuyo título en español era ese (una de esas traducciones espantosas que el Menestrerio de Incultura debería prohibir), pensé que el mundo había llegado a su fin o, en su defecto, la humanidad estaba perdiendo la cabeza para situarse a mi nivel.
Ha sido un año después de su estreno, cuando más por curiosidad que por interés real me he puesto a verla, el momento en que he descubierto que, efectivamente, tenían razón y que, tras la apariencia (y el título en español que es horroroso horroroso) de un American Pie para treintañeros se esconde una comedia que está más cerca de Historias de Philadelphia que de la supuesta comedia cafre que su publicidad nos vendía.
Magníficamente escrita y con un guión perfectamente hilvanado, que sirve de base a una dirección comedida y que huye de efectismos, The Hangover es una comedia de enredo en la línea de las comedias clásicas donde no se necesita recurrir a la escatología ni a los chistes fáciles para hacer reir, sino que basa su eficacia en su concatenación de gags y en las situaciones provocadas por unos personajes cuya noche de borrachera (y rohipnoles) y la posterior búsqueda del novio perdido al que tienen que llevar a la boda les servirán para hacer análisis de sus vidas y plantearse las posibilidades de cambio respecto a lo que tienen.

Porque The Hangover en el fondo habla de eso, de la fantasía de la juventud y la necesidad de hacernos mayores, de que por más que queramos comportarnos como adolescentes descerebrados llega un momento en el que tenemos que hacernos cargo de nosotros mismos y llegar a un equilibrio entre lo divertido y lo razonable, entre lo que no queremos perder y la necesidad de madurar y hacernos cargo de nuestras vidas. De que con treintaytantos no se puede vivir en American Pie, que tenemos que empezar a adorar a Billy Wilder, miren ustedes...

The Office UK

2010-08-16T20:48:00.005+01:00

The Office UK (BBC, 2001-2003)

Tengo relativamente claro que el humor difiere mucho de unas culturas a otras, y si bien los mediterráneos, por ejemplo, habíamos sido capaces de hacer arte a costa de reírnos de la desgracia propia (y ajena también, por qué no reconocerlo), por más que la corrección política esté acabando con tan sana costumbre, los ingleses son los auténticos maestros a la hora de practicar el humor basado en la vergüenza ajena.
En este sentido, The Office, la serie original de tan sólo doce capítulos (mas un especial de navidad) que daría lugar a la mucho más exitosa versión norteamericana, no aporta absolutamente nada nuevo.
Sin embargo The Office ostenta el título de inspiradora (si no creadora) de un género que no sólo se ha seguido cultivando con excesiva profusidad, sino que continúa dando excelentes resultados en muchas ocasiones, eso que llaman el mockumentary.
En tono de falso documental grabado por la BBC sobre el trabajo en una oficina de una empresa papelera en el culo del mundo inglés, la cámara se va adentrando por los rincones del lugar de trabajo de una serie de personajes que no paran de hacer el ridículo para deleite del espectador.
El gran protagonista del evento es ese cretino llamado David Brent (Ricky Gervais, uno de los creadores de la serie), jefe inicial de la oficina que aspira a ser humorista y cuyos intentos por agradar y ser el más popular del lugar sólo llevan a una decepción tras otra y a la continua y vergonzante exposición de sus miserias.
El resto del equipo de trabajo no le va a la zaga y se humillan del mismo modo que Brent, sobre todo cuando comprobamos gracias a una cámara cotilla que se agazapa como el león que caza a su presa, las contradicciones de sus actos con lo dicho en las entrevistas que conceden.El punto álgido y la mayor secrección de bilis coincide con la aparición de Neil Godwin, ascendido a jefe de Brent y con quien este mantiene un duelo por la popularidad que sólo existe en su cabeza y que acabará con su empleo y con su fantasía laboral.
El especial de navidad, teóricamente grabado dos años después, sirve para finalizar la serie con un sabor menos amargo de boca del que se nos queda al concluir la segunda temporada y tengo que decir que fue muy de agradecer, porque la desesperanza que transpira todo el metraje era casi demasiado honda hasta para ser inglesa.
Especie de obra maestra de un género que se iba desdibujando a pasos agigantados, es buen momento para volver a recuperarla y taparse la cara de vez en cuando observando cuan imbéciles pueden ser nuestros congéneres e incluso, nosotros mismos.
Porque de eso es lo que va The Office en realidad, de gente que no sabe lo que hace y que debería empezar a mirárselo.

Frase de la semana

2010-08-16T10:20:00.000+01:00

El peregrino mundo sigue girando, Miriam.

August Brill en Un hombre en la oscuridad (Paul Auster).

Sevillana de los bloques

2010-08-14T15:25:00.003+01:00

Sevillana de los bloques (Cristalitos machacaos, Martirio, 1989)

Tal día como hoy en que ha vuelto la panza de burro a Las Palmas (bendita sea) y en mi tierra se están asando como los pollos, me he puesto nostálgico y he querido rendir homenaje a mi adorada Martirio además de a un estilo muy andaluz como son los cotilleos de los barrios. He aquí esta maravilla de sevillanas que siempre hemos tenido muchos en el recuerdo y que no consiguen por más que se escuchen que no nos hartemos de reir. ¡Grande!

Hace calor

2010-08-12T21:16:00.004+01:00

Hace calor (Kiko Veneno, Está muy bien eso del cariño, 1995)

Ya se qué esto no va hoy, pero es que no puedo pensar en otra cosa. Si quieren pueden tomarlo como una segunda parte del destrozando a... al verano que publiqué con más ira que gracia hace un año.
Total, que me encanta Kiko y que no hay mejor día como hoy para acordarse de esta estupenda canción.

Harry Potter y el misterio del príncipe

2010-08-10T21:48:00.007+01:00

Harry Potter y el misterio del príncipe (David Yates, 2009)

Hace un par de meses me encontré, no me pidan que recuerde dónde, con el trailer de lo que será la última de las películas de Harry Potter, la versión de la séptima novela de la Sra. Rowling que, en un ardid de marketing ya visto en algunas ocasiones, irá dividida en dos cintas a estrenar en 2010 y 2011.
No me cabe ni la más mínima duda de que ni por esas conseguirán disminuir el principal problema de todas las películas de la saga, la excesiva duración en base a escenas de relleno de cada uno de los episodios rodados, pero eso es otro tema...
Jamás he sido especial seguidor de la saga del joven mago con gafas de hippie y sus amiguitos (insoportables todos ellos en general), y nunca se me ha pasado por la cabeza leerme un libro de los de la señora esta, pero debía reconocerles a las primeras que, pese al infantilismo reinante (esas sonrojantes escenas de compañerismo o las bromas para adolescentes imberbes), escapaban de la mediocridad gracias a buenas producciones y directores más que solventes (con mucho la mejor es El prisionero de Azkaban, la más madura y oscura de toda la serie, no en vano Cuarón ya tenía experiencia rodando cuentos macabros y ahí está esa estupenda versión que realizó de Great Expectations).
Y como siempre que acaba algo, a mi me da por querer ser parte de, como a cualquier adolescente hiperhormonado , he visto en estos últimos meses las tres siguientes producciones como parte importante para poder disfrutar de un final que en trailer tiene una pinta estupenda. De todas ellas no me quedo con ninguna.
La referencia que haré hoy a El misterio del príncipe (mestizo, palabra eliminada del título en España) es más, como ya se estará observando, un recopilatorio que lleva a preparar el final que una verdadera reseña.
En un intento de conservar público y recompensar a los fieles, la saga Potter se ha negado a reinventarse y ha continuado exactamente igual con el consiguiente debilitamiento de su propuesta.

La última de todas ellas, de hecho, parece más una sucesión de escenas que preparará para el desenlace que una verdadera película con entidad propia. Sólo la presencia de algunos de los mortífagos animan el cotarro (iba a gritar Spoiler! pero tampoco creo que nada que cuente va a sorprender a los habituales), pero por lo demás estamos ante una película de transición dentro de la historia, con una producción innegablemente excelsa pero unos intentos de acercamientos psicológicos de lo más superfluos.
A las dos horas y media le sobran tres cuartos como poco, pero aún así la película se deja ver. Con mucho lo más flojo de toda la serie y tan sólo justificable como prólogo al final que, vuelvo a repetir, si lo saben llevar, tiene un aspecto impresionante.
De producto mainstream, no se me equivoquen. El que quiera cine de autor que se pase por aquí otro día... si acaso otro mes de hecho.

Texto de la semana

2010-08-09T18:40:00.001+01:00

¿Podemos irnos, papá?
Si, claro que podemos.

El hombre y el niño en The Road (Cormac McCarthy).

El verdugo

2010-08-06T19:24:00.001+01:00

El verdugo (Luis García Berlanga, 1963)

Me resulta terriblemente difícil hablar de muchas de las películas que traemos los viernes, cuanto más cuando, como en el caso que nos ocupa, toca hablar de una de las mejores películas, no solo españolas, de todos los tiempos.

Y más cuando bajo la forma inicial de comedia situacional, casi romántica, se nos presenta un alegato terrible y aterrador contra la pena de muerte.
Tan solo una escena, esa en la que se conduce a Jose Luis (Nino Manfredi) a que ejecute su recién estrenado trabajo de verdugo como si él fuera el reo, resume todo el miedo y la sinrazón del que mata para hacer justicia al que delinque, del que con el mismo hecho convierte al criminal en víctima y queda impune.Sin embargo, y como muchas magníficas películas que salieron del franquismo, muchas más de la que nos está procurando la supuestísima libertad de expresión que conseguimos con esta cosa que se hace llamar democracia, los guionistas Berlanga, Azcona y Flaiano, forzados por la censura a contar otra cosa para poder finalmente decir lo que dicen, elaboran una soberbia comedia donde destaca, como siempre, el magnífico José Isbert, el verdugo saliente que fuerza al novio de su hija a tomar su puesto de trabajo por el que obtendrán la casa que no tienen.

Apuesta neorrealista de una crueldad impresionante, El verdugo hiela la sangre a la vez que provoca carcajadas, claro que para conseguir eso lo mismo hay que verla un par de veces.
Personalmente aún hoy me sigue poniendo los pelos como escarpias.

Destrozando a... El indomable Will Hunting

2010-08-05T22:40:00.002+01:00

El indomable Will Hunting (Gus van Sant, 1997)

Cuando se está de resaca nada más fácil que recurrir a valores seguros, y aquí tenemos a Robin Williams, a Ben Affleck y a un van Sant empeñado en no terminar de tener una carrera coherente.
Y entre el ñoño guión perpetrado por Affleck y Damon y la cursilería propia de los intentos norteamericanos de contar supuestas grandes historias que no lo son y que además no interesan a nadie, tenemos el cutre producto del momento disfrazado de metafísica que, por supuesto, se llevó a casa algún que otro premio del copyright.
Lo esperable, ¿no creen?, aunque eso no la hace ni mucho menos más digna ni aguantable.

Si la cosa funciona

2010-08-03T18:05:00.005+01:00

Si la cosa funciona (Woody Allen, 2009)

Da gusto volver de vacaciones con una buena película. Y da gusto que sea de Allen porque como ya he hablado de casi toda su filmografía (busquen ustedes, en las etiquetas está) me queda poco que decir de una película suya cuando, como es el caso, vuelve por sus fueros y realiza otra de esas comedias neoyorquinas que lleva haciendo cuarenta años y de la que sus seguidores no terminamos de cansarnos.
La trama es poco menos que la de siempre, las relaciones afectivas entre personajes distintos que tienen familias y conocidos cuyas excentricidades ridiculizan los comportamientos de los distintos sistemas relacionales, mientras se van engarzando diálogos y situaciones hilarantes que no terminan de arrancar la risa.
No terminan porque, y eso es lo más original, por llamarlo de alguna manera, de esta película, el discurso exacerba la habitual misantropía alleniana hasta la más absoluta exageración, comenzando por un protagonista empeñado en amargarse la existencia en aras del vacío moral del mundo en el que vive, pero que sólo llega a intentar suicidarse por frustraciones mínimas relacionadas con el enamoramiento y la traición afectiva.
Su némesis resulta ser una jovencita superficial y con escasos recursos intelectuales que, en base a su ignorancia, vive en la más absoluta felicidad. Por allí pasan un joven inglés (el guapísimo Henry Cavill), actor con escasas luces e iniciativa, la madre reprimida que abandonada por el padre descubre el arte y la poligamia, y el padre que regresa para acabar saliendo del armario.

Todo ello mientras Allen rodea a su alter-ego de desquiciadas y desquiciantes parejas y ex-mujeres y retrata Nueva York igual que siempre y con más cariño que nunca.
Eso sí, se le nota que se va haciendo mayor y que cada vez se enternece más. Es por ello que últimamente le apetece rodar más finales felices. Claro que la forma de hacer feliz este final es una de las más divertidas que le hemos visto en años.

Frase de la semana

2010-08-02T11:19:00.001+01:00

Vamos a derribar el edificio del Ministerio de Igualdad. Total, para lo que sirve. Es como un hijo tonto, todo son gastos.

Miki Nadal caracterizado como Pedro Almodóvar en Sé lo que hicisteis.

Frase de la semana

2010-07-05T00:08:00.000+01:00

Estoy muy cansado.

Yo mismo, a cualquier hora, cualquier día de los últimos dos meses.

Y como ya va siendo hora de descansar, y aunque todavía me quedan dos semanas para las laborales, el autor de este blog va a hacer lo que nunca hasta ahora había hecho en casi tres años de andadura: tomarse unas vacaciones blogueras de verdad.
Así que, si seguimos vivos y los volcanes islandeses no lo impiden, estaremos de vuelta el 2 de agosto... más o menos.
Mientras tanto, espero que os vaya bien y que me conteis si veis algún bodrio, que ya tengo poco material para los jueves.

Besos y abrazos a todos.

Destrozando a... Una historia diferente

2010-07-01T20:57:00.002+01:00

Una historia diferente (Danny Boyle, 1997).

Yo fui uno de tantos a los que Boyle engañó con Trainspotting, llegando a la conclusión de que era un gran director sólo por esa película.
Por ello y sólo por ello (bueno, y por mi Ewan) fui al cine a ver A life less ordinary a pesar de las críticas y lo que me decían los amigos.
Y por ello y sólo por ello (y por mi Ewan) pensé que había visto una comedia fallida, con buenos ingredientes, con una historia original pero con resultados discretos.
No fue hasta años después cuando me di cuenta de que, en realidad, Boyle nos había tomado el pelo y con la idea de la cafretada pseudoexistencialista estaba vendiendo oro del que cagó el moro... no se si me explico.
Y no, no voy a hablar de La playa... de momento.

Solomon Kane

2010-06-30T20:43:00.004+01:00

Solomon Kane (Michael J. Basset, 2009)

Hace bastante tiempo que las productoras europeas se han dado cuenta de que en este continente se pueden realizar blockbusters yanquis iguales o mejores que los que hacen en EEUU.
Muchos intentos se han realizado antes y periódicamente algunos van llegando (el cine de Amenábar es el ejemplo más cercano) confiando en mantener su aire independiente en base a una estética oscura y sucia que sólo ocasionalmente logran su cometido.
Solomon Kane ni siquiera llega a intentarlo. La ambientación es oscura porque tiene que serlo, por el tema que trata, y ni siquiera llega a ser más sucia que las de muchas otras producciones en esa moda del supuesto hiperrealismo que toca todos los palos y todos los continentes aunque poco logren más allá del hastío.
Así que Solomon Kane se convierte en otro film más de acción con escasas entrañas, vacío de contenido y resolución increíblemente fácil (y tonta) en uno de los finales más simples y aturullados que he visto en años.

Y sin embargo, quizá sea lo peor de todo, Solomon Kane es de las muestras de cine de entretenimiento más agradecibles de los últimos años, aunque solo sea por comparación. Y lo es porque las escenas de acción funcionan, la trama es simple pero coherente, el inicio (que todo el mundo dice que sobra) es potente y sobre todo, y ante todo, dura poco, virtud que se está olvidando y que aquí incluso merma la capacidad del producto. Ay, si James Cameron dominara el tiempo...

Texto de la semana

2010-06-28T18:22:00.002+01:00

Bueno, a decir verdad, ella también había dejado de quererlo, pero hasta de eso tenía Jason la culpa, porque si no se hubiera vuelto imposible de querer ahora todo sería diferente.

Marian Keyes, La estrella más brillante.

Across 110th street

2010-06-26T11:51:00.002+01:00

Across 110th street (Bobby Womack)

Muchas cosas se pueden criticar del talento de Tarantino, pero lo que creo que está más allá de toda duda es su exquisito gusto a la hora de diseñar bandas sonoras basadas en canciones clásicas.
Nunca había escuchado nada de Bobby Womack hasta que comenzó Jackie Brown y vi a Pam Grier caminar al ritmo de de la gran Across the 110th street. El porqué nunca lo he vuelto a escuchar debe ser el Tercer misterio de Fátima... porque lo de la crisis no se lo ha creído nadie.

Destrozando a... El bar coyote

2010-06-24T13:21:00.003+01:00

El bar coyote (David McNally, 2000)

"O sea tía, yo quería ser una niña buena tía, hasta que llegaron los de la Mtv y me convencieron de lo guay que es que te traten como un objeto sexual y aprovecharte de ello para pagarte la carrera y lo que haga falta, tía, y así de mayor ser un florero con estudios, tía. No, eso no es ser una puta, tía, eso es ser como Paris Hilton. Creo que me voy a presentar al casting de Gran Hermano, tía." -declaraciones de una de las muchas víctimas sociales de esta película, éxito inexplicable de taquilla.
De verdad, ¡qué asco!